sábado trasnoche

REESCRITURAS: Take me home tonight (esperando Paul, de Greg Motola)

2011-06-10T00:51:00.000-07:00

Reabrimos el blog que nadie lee para traerles una reescritura que no es una reescritura, de una pelicula que ni siquiera nos parecio genial sino, sencillamente, disfrutrable, algo convencional, algo copiona, y tambien algo copada: Take me home tonight, recientemente lanzada para la bajada del pirata, con Topher Grace (That 70s Show), Anna Faris (Scary Movie), un gordito muy gracioso que imita a Jonah Hill y una minita que es igual a Kristen Stewart y que, de hecho, cumple la misma funcion que la amante de los vampiros en Adventureland.

Primero digamos que peliculas como estas están hechas para gilastrunos cusackianos como yo, que según el concepto sencillo pero revolucionario que introdujera Alta Fidelidad –sí, se trata de otra de las películas del género comedia romántica para hombres-, nos dedicamos mas a hablar que a hacer. De hecho, el lema de la película toda es “esta noche no se piensa, se hace”. Melancolias y verdades algo estereotipadas se esconden detrás de esta “justificación critica” (es el héroe, pero la película se encarga de mostrarlo en toda su cobardia) del muchacho sensible, “distinto”. El héroe romantico por excelencia, pero claro, en versión posmoderna, es decir, con algo de sorna. Y con una banda sonora ochentosa que sirve de excusa y atractivo, porque no se hace ningún chiste de los clásicos sobre la era kitsch.

Es decir, todo muy Greg Motola: porque si tomamos la noche descontrolada de los pibes controlados de Superbad, y le agregamos un poquito de Adventureland (el protagonista romanticon y perdido, la minita clonada de Kristen Stewart), tenemos Take me home tonight, que no es sino la reescritura de estas películas de Motola (hasta un gordito gracioso de secuaz hay, che), ambas curiosamente ambientadas en aquellos tiempos de saco arremangado.

Solo que, por supuesto, las de Motola demuestran una “profundidad” (concepto vacio de tan ambiguo) latente en sus superficies de placer, en su genero y su ambientación, que no es sino la profundidad de sus personajes, lejos de la caricatura romantica que si aparece, por momentos, en TMHT: el discurso final de Topher Grace, y la misma necesidad de hacer ese discurso (y esa acción que no develaremos) para congraciarse, digamos que es una convención del género de las menos atrayentes, de las mas, digamos, pedagógicas para con el espectador. Cero de esa profundidad, todo superficie explicita, y un héroe que si había tenido grises, pasa a ser ahora el incomprendido muchacho sensible, demasiado inteligente para funcionar en sociedad, que no lo comprende. Al pedo, porque de hecho toda la película se había encargado de desarmar un poco ese lugar comun llevándolo a lo que ya parece una marca generacional: la clase media posgrado sin horizontes, sin motivaciones, habitando un mundo, unos valores, construido por una generación que ya quedo añeja (ese mundo lo habita el novio de Anna Faris, heredero del imperio del padre y mostrado como un neanderthal total, incluso, y sobre todo, en el momento en que es vulnerado).

Cierto bidimensionalismo atraviesa el film (no se pueden comparar los problemas de nuevo rico de la blonda imitadora de Kristen –llanto aristocratico como el que, tras ver Somewhere, infecto retroactivamente toda la filmografía de Sofia Coppola-, con la Kristen perdida de Adventureland) pero, ¡ah!, el placer de lo esperable. Si Motola demostró, como tantos ya, con su par de películas (hoy correspondía ver Paul, pero lamentablemente no se bajó) que de lo genérico puede hacerse algo sentido, aquí se da un paso atrás, se construye una película desde lugares más comunes, algo que si bien tiene sabor similar (¡y ese discurso!) también tiene su costado feliz: una banda sonora bien ochentosa, mucho menos sutil y mas pegadiza que la de Adventureland (que en verdad es mucho más gloriosa, pero en la superficie mucho menos reconocible), peinados locos, aventuras inverosímiles (esa cosa yanqui) y, claro, comedia gruesa de corte "superbadiana".

No vamos a plantear una reescritura para otra reescritura: sería decididamente metaposmoderno, o algo así con etiqueta bien esnob, característica de sujetos cusackianos como yo, para siempre etiquetando cosas. Podríamos plantear que Anna Faris podría haber no sido hermana sino amiga y desde ahí plantear un triángulo donde la ilusión de felicidad (el amor puro encarnado en la minita que es igual a la Stewart para Topher, el Neanderthal conservador y lleno de platita que quiere esclavizarla en la cocina para la Faris) deje lugar a la felicidad… o a una porción de felicidad, como dice Laiseca, lo cual se aplica mejor a la realidad y también a la idea de la película reescrita por mí: imperfecta, incompleta, con menos camas elásticas y habilidades sexuales y más monumentales pifiadas como aquellas de Jesse Eisenberg en Adventureland. No reescribo una reescritura de Motola porque esas dos pelis fueron perfectas. Mejor, simplemente, volver a verlas.

CONTRA El discurso del rey

2011-02-27T12:52:00.000-08:00

Molestan los primeros planos abundantes, que subrayan el dramatismo de todo. Tambien los planos supuestamente ingeniosos, tomas complicadas pero sin ningún tipo de sentido mas que apelar a cierto intelectualismo barato (o celebrar el del director), pues no adicionan ni sentido ni algun tipo de “belleza inútil” al asunto, están allí para ostentar.

Molesta también la música, hecha con el manual del drama serio y artístico, de tonos graves y, obivamente, de un subrayado del sentido absolutamente redundante. Molesta que incluya musica clasica facilmente reconocible, como modo de elevarse a una categoria de arte alto, como reflejo de la intelectualidad impostada, posada, y tambien, a traves del reconocimiento que el espectador hace de esa musica, que se sienta premiado, que se sepa inteligente, y por ende, que el film se convierta en un film inteligente, que el espectador inteligente degusta y desentraña con inteligencia. Muy Hollywood malo, esa pose intelectual que complejiza, eleva y discursiviza un arte que es de imagenes. La escena, entonces, es triste, los rostros aparecen enormemente tristes, y la música es grave. Se trata de una película profunda de temas profundos, queda claro.

Molesta el histrionismo de las actuaciones para el Oscar, siempre hechas de una gestualidad exagerada que demuestra “el trabajo del actor”; nunca del gesto medido y justo, sino de la actuación explicita, casi tan explicita que todo el tiempo genera extrañamiento de la inmersión que, se supone, debe generar la ficción: actuaciones tan grandilocuentes señalan todo el tiempo que se trata de una caricatura, un cuentito. No es casualidad que tantos oscares hayan ido a actores que representaron personalidades reales. Geoffrey Rush no se salva con su versión de Cal Lightman ingles y preguerra, por mas actorazo que sea.

Molesta que el pueblo necesite de “los elegidos” para salvarse de “los remalos”. Molesta que no se inspiren con el discurso de un político, de un sociólogo, o por ellos mismos, sino que aparezca naturalizado en el film que las masas se inspiran a través de una voz legitimada a través de la magia y la supersiticion (el rey recibe su poder de Dios), una voz que ni siquiera es genuina, porque habran notado, el rey no escribe su discurso sino que lo lee. Al parecer lo único que nos separa de la barbarie es una elite iluminada cuya voz mágica, no la razón o la rebeldía, moviliza al “emotivo” pueblo para actuar según los intereses reales, que, dicen, son los de ellos, los de la plebe. Que no se juegue la carta dicotómica y se diga que esto es una defensa del totalitarismo hitlerista: pero mistificar y demonizar la realidad oculta las causas, no educa a los pueblos a defenderse sino que los convierte en manipulables (quizás sea el objetivo). En este apartado, recomiendo la lectura del libro de Graziano “Hitler gano la guerra”, o del documental “Why we fight”, que exponen las causas verdaderas detrás de las guerras.

Molesta también la caricaturización de todo el discurso del film, que termina el proceso de subrayado del sentido y subestimación de la audiencia comenzado con las cuestiones técnicas. Aca los buenos son rebuenos y los malos son remalos. Churchill parece salido de Condorito y Hitler aparece presentado como el Guason. Y los rebuenos son los que tienen que salvarnos de los remalos: se pone de manifiesto rápidamente que se trata de un film norteamericano disfrazado de una película inglesa (la productora es yanqui, despues de todo). Y los yanquis son los rebuenos que nos salvaron de la barbarie. Si resulta sugestivo este análisis, mas alarmante es la traspolacion a la realidad actual de los últimos dos elementos analizados (el discurso mágico del rey y el discurso maniqueo del film): es imposible no ver el rol de salvadores de la humanidad, de defensores de la civilización, en que se ponen los verdaderos autores del film, los norteamericanos, discurso que hoy en dia los habilita a conducir sus guerras hambrientas de petróleo por el Medio Oriente; también resulta terrible leer entre líneas el rol que, dentro de ese pueblo elegido (no se olviden que ellos se consideran los elegidos por Dios para habitar el Nuevo Mundo, America), tiene la clase alta: ellos son “los iluminados” (Illuminati, anyone?) que guian el camino y velan por el interés de los débiles e ignorantes del pueblo (en lugar de educarlos, claro). A través de este tipo del film, que legitima una visión aristocratizante, eugenésica del mundo (como El Rey Leon, casi), que naturaliza que el poder se concentre en pocas manos, que convierte a los poderosos en semidioses, a través de este tipo de discursos ocultos en “dramas serios”, seguramente recolectores de Oscar, es que la población sigue alimentándose de mitos en lugar de encargarse de ser capaces de visibilizar los hilos invisibles que los mueven y modificar asi su posición absolutamente sometida e ignorante. Nos vamos a tragar este buzon?

Quien se ha llevado mi Machete?

2010-12-03T10:42:00.001-08:00

Machete, la ultima de Robert Rodriguez, es un film delicioso, si. No se trata de la esperada obra maestra, y hubo algun rostro algo desilusionado a la salida, pero funciono. Sin embargo, a dos dias de su visionado, las dudas se transformaron en certezas y se planteo que quizas se tratara de un film mercenario, para nada genuino, sin vitalidad, y que de alli provenia cierta desidia narrativa a la hora de volar todo (se podria decir que en Machete todo vuela, pero predeciblemente), cierto desparpajo de manual.

Machete promete. Desde su fantastico trailer, que aparecio en Grindhouse, hasta sus minutos iniciales. Pero despues de un inicio a todo motor, Steven Seagal desaparece, demostrando que lo suyo era figurar.

La trama se vuelve no solo predecible, sino, peor, una trama acorde a los marcos habituales del genero de accion. Todo muy racional, muy lineal. La imagen acompaña a la pelicula en su estancamiento: no se ve ningun procedimiento que muestre la materialidad del cine en descomposicion (es decir, el propio celuloide dañada, apoyando la logica del cine como ficcion pura y por ende como una creacion ludica) como sucedia constantemente en Grindhouse; y lo que es peor, las imagenes absolutamente alocadas que prometia el trailer aparecen aqui por rigor (es decir, porque ya habian aparecido en el trailer), casi forzadas en el contexto de una estetica casi realista, hasta con comentarios sociales, aunque a veces parodiados (mas alla de algunos excesos -como los cortes de cabeza- que se asemejan mas a gestos que a otra cosa, gestos cool, de referencia al cine gore, en lugar de ser cine puramente gore, corrosivo). Lejos esta de la estetica gremliniana de absoluto desparpajo y destruccion (destruccion de cuerpos, destruccion del cine) que disfrutamos en Grindhouse. Mucho mejor resulta Planet Terror que esta Machete divertida, pero que parece delatar cierta cualidad mercenaria de su creador, que vio que habia ganancia en aquel trailer y lo hizo pelicula casi con desidia, repitiendose y siguiendo cierto manual posmoderno. Para recaudar un poco mas, Don Rodriguez cometio otro error (el ultimo que puntualizaremos) al convocar a Jessica Alba y Lindsey Lohan, dos minitas que estaran refuertes pero solo agregan mojigatez y referencialidad pop al film. Mucho mas carnosa y sugerente resulto la eleccion de la McGowan para Planet Terror. Pero no se trata de no mostrar (Rose tampoco enseñaba): aqui el error no es solo en el casting sino en las eleccion del director que, como si de una pelicula de cable se tratara, en lugar de mostrar el sudor y el manoseo que esperamos de Machete, aleja hacia arriba la camara de la pareja que se desviste y corta, en el procedimiento mas mojigato y falto de imaginacion y sugerencia que ha dado el cine. Lamentamos verlo en un director que habia demostrado tanta vitalidad como Robert Rodriguez. Lamentamos ver todos estos procedimientos banales, toda esta estetica esteril de tanta previsibilidad, que no hacen mas que quitarle sabroson a lo que podria haber sido el film subversivo del año.

Fish Story: preludio a 2011, el primer año sin 20th Century Boys

2010-12-01T14:18:00.001-08:00

Bueno. 2011 sera el primer año post-centuryboysiano, como explique a algunos por mail. La categoria resulta a priori sospechosa, por irrelevante y porque no define nada sobre la era actual, sino que simplemente la declara posterior a la era anterior.

En principio, la categoria podra ser irrelevante para la mayoria, sin embargo se encuentra revestida de una importancia crucial para mi. 20th Century Boys fue para mi no solamente 10 años de mi vida (lo cual abarca, en realidad, toda mi vida conciente), compañera de soledades y emociones; significo tambien y sobre todo, en menor medida un redescubrimiento de los generos bajos, una apertura a nuevos mundos del manga y de las aventuras lejano al prejuicio, y en una escala mayor, un redescubrimiento del poder de la ficcion y de la humanidad creadora. La proxima vision de la tercera parte de la trilogia de peliculas supondra el fin, entonces, a una etapa mia de reinvencion de categorias, todas ellas afectadas por los veintitantos volumenes de gloriosas conspiraciones, persecuciones, amores y giros mayusculos.

Por otro lado, la categoria post-centuryboysismo, es cierto, no define nada sobre la actual era, la que comenzara en 2011. Pero hay detras de ello una razon de ser: simplemente no se que se esconde detras del horizonte de fin de año.

Increiblemente, por cuestiones que uno a veces no puede sino relacionar al destino, escapando un poco de las obligaciones libristicas le puse play a una de las toneladas de peliculas que tengo bajadas esperando el veranito: Fish Story.

Resulto ser el puntapie inicial perfecto para la nueva etapa.

Fish Story no puede ser sino una reescritura de 20th Century Boys: trata sobre el fin del mundo, los heroes que a el se enfrentan, y la musica que los acompaña y los salva. Se compone, como aquella, de diversos personajes en diversas lineas temporales, moviendose de una a otra a traves de una estructura episodica similar a la del folletin y, por ende, a la del manga original.

Hasta aqui, podria ser una copia que se aprovechase del exito de la trilogia. Sin embargo, la pelicula funciona mas bien como el anverso, como la contracara de las carisimas peliculas industriales que adaptaron el manga y en el camino dejaron atras cierta simpleza y humanidad. Grandilocuencia: las adaptaciones son buenas, son fieles (algo que importa absurdamente a los fanaticos como yo), pero no se comparan con la experiencia de leer la historieta, una experiencia que genera piel de gallina constantemente. De hecho, por momentos da la sensacion de que, sin la historieta, los films no tendrian demasiada epicidad, demasiada gracia.

Entonces, que hace Fish Story? Recupera el nucleo humano de la obra original: los personajes. Ata cabos, arma una estructura economica y atrapante que conduzca a un final. Y tambien, se rie por momentos de si mismo: porque en el centro del film no hay rock clasico y valores humanistas clasicos, sino punk, individuos divididos y una esperanza siempre, siempre postergada de justicia. No hay intento de recuperar la bandera de la amistad, de los valores modernos, sino una desgarradora y sutil perdida de valores y el deseo de que un grito de musica pueda, de algun modo (obviamente, caricaturizado para fines aventureros) mejorar ese mundo de muchachones cobardes, perdidos.

Fish Story se sabe lo que su titulo sugiere: una historia exagerada sobre la musica como salvacion. Y entonces se dedica a jugar con la nocion, a exagerar y a declararse exagerada. Pero no se pierde en el gesto bizarro, sino que huye de el, hacia un tono realista y cerca del intimismo, preocupada por sus personajes, por sus problemas. Aunque el tema Fish Story salve, efectivamente, al mundo, la musica ya habia salvado sus vidas mucho antes.

De alguna manera, este film que se constituye necesariamente como constraste de 20th Century Boys (la trilogia) es una mejor adaptacion del espiritu de la historieta que los films son (lo cual demuestra que uno se preocupa por una absurda fidelidad de la trama en lugar de por cosas mas importantes). Y esta reformulacion de los temas humanistas de 20th Century Boys en clave anticlasica, posmoderna y punk no deja de ser el preludio perfecto para el primer año de mi vida que no se vera afectado por la maginifica obra de Urasawa, a quien comienzo a despedir como se despide a un hermano que se va de viaje.

SCOTT PILGRIM vs. toda una cultura de la tristeza

2010-11-23T04:20:00.000-08:00

Bueno, sin dudas se trata del suceso indie del año. Con todo lo malo que eso trae aparejado: la afectacion del incomprendido, las bandas sonoras llenas de los 40 principales segun pitchfork, que se yo, toda esa mierda que ya cansa un poco, del tipo que quiere adoptar a un bebe de China o del que se la pasa persiguiendo a la minita que escucha The Smiths.

Algo de eso habia en la historieta, y tambien hay en la pelicula: por suerte en ambas toda esa nueva sensibileria (el nuevo melodrama) es licuada (con un sinfin de citas geek) y convertida en un mejunje fluorescente, en un motivo para festejar y no para llorar: los parias y toda su cultura se vuelven en Scott Pilgrim (version papel y version film) destructivos, recuperan el rocanrol donde habia, cada vez mas, poses de tristeza melodica. La clave es, desde ya, el humor, que corrosiona el mencionado complejo de superioridad de las culturas alternativas.

Una introduccion larga para lo que sera una reseña mas bien corta. E inutil, porque incluye una comparacion con el original (la historieta de Bryan O’Malley) que no tiene mas sentido que el del regocijo en la referencialidad pura, algo tan siglo XXI. Scott Pilgrim es un gran film. En principio, porque la eleccion de Edgar Wright para la direccion fue perfecta: la historieta jugaba constantemente con los generos, las parodias y los homenajes y los cruces y los mejunjes, algo para lo que Wright ya habia demostrado grandiosa habilidad en una serie fundamental, Spaced, y luego en sus gloriosas Shaun of the Dead y Hot Fuzz. En el film, el humor “rarito” de la historieta (adaptado por momentos verbatim) se combina a la perfeccion con el humor seco, sorprendente y vital de Wright (que mientras tanto, escribe el guion para Tin Tin: la pego). Esta combinacion perfecta convierte, en primera instancia, a Scott Pilgrim en lo que quiere ser: antes que un suceso para un monton de pibes adivinando chistes secretos, una pelicula divertida, con momentos absolutamente del-orto. Y otros no tanto.

Claro, era obvio. Nunca falta la objecion. Porque Wright adapta maravillosamente el maravilloso primer volumen, pero el resto se ve triturado, por logica falta de tiempo. Pero sobre todo porque visualmente la pelicula comienza siendo brillante, divertida e innovativa, sorprendente en cada eleccion, pero termina siendo repetitiva: repetitiva en el estilo en que se desarrollan las peleas (mientras la historieta parodiaba a los fichines pero tambien al manga –gran influencia-, al cine y a otros demases, el film convierte casi toda pelea en un homenaje al fichin); repetitiva en las invenciones visuales. Y hacia el final, entonces, cierta anarquia festiva se diluye: todo se condensa en una escena metaforico-explicativa que ralentiza el ritmo notablemente, la locura se torna obviedad y sobre todo, esto dura bastante, se estira el final. Los ojos llorosos de Ramona forman un primer plano efimero y perfecto, pero entre eso y el inicio de la pelea final tenemos un monton de palabrerio sensibiloide, alguna bajada de linea y muchas ideas visuales ya vistas (el desierto, la pelea tipo arcade –esta, repetida literalmente-) y un desenlace (previo al epilogo mencionado) absolutamente de rigor, que da la sensacion de haber sido escrito con desidia, con el manual abierto y todos los lugares comunes del "aprendizaje" recorridos con poca imaginacion, casi como una rutina por el director, que pareciera decirnos "bueno, se acabo la diversion (y la pelicula), ahora vamos a cerrar todo y listo". En este contexto, ciertas resignificaciones funcionan, pero otras no. Ciertos dialogos funcionan, pero otros se extienden en el vacio, resuenan a formula. Y nada es explosivo, como ocurriera en la mejor narrativa epica guitarrera hasta la fecha, la gran, la brillante, la verdaderamente imbatible FLCL (de la cual tanto historieta como pelicula toman prestado), con aquella banda sonora tambien demasiado increible.

Si, el final es flojo. Pero el resto del film es buenisimo, con momentos cercanos a la genialidad, si la estupidez puede llegar a ser genial (como los muchachos de Jackass nos recuerdan siempre). Y se celebra el regreso a una banda sonora que sea indie y pueda incluir rock guitarrero epico y desaliñeado (es bueno escuchar a T-Rex, saber que nuestros protagonistas odian a los llorones de Crash y sus muchachos, autores de “Estoy tan, tan, tan triste” y “Te odio tanto”, verdaderas gemas, y que los Stones suenen solo para infamar a Jason Schwartzman haciendo de garca) y “bandas que apestan” (como la banda protagonista). Hay una verdadera reinvencion (que ya estaba en la historieta) de toda una cultura de espiritus tristes y corazones rotos, una reinvencion guerrera que se respira en las elecciones musicales, que le devuelve a la juventud ese deseo vital de romper cosas, de romperse cosas, ese sentimiento de invencibilidad rayana con la idiotez y la ebriedad. Porque como lei ayer insomniando en twitter (uno se queja de las moditas y despues...), “vivimos una década equivocados, pensando que Nirvana era el futuro. no, nene, el futuro es Pavement. Exisitiendo Pavement, la gerencia no se hace responsable de la escucha de bandas de mierda como Radiohead”.

EXTRAS!

Algo de T-Rex

Algo de FLCL, musicalizado por los Pillows

escena del episodio 4, si mal no recuerdo (no me deja embedear)

Algo de Pavement

Un buen dia

2010-11-15T13:27:00.000-08:00

Cuanto sabemos de las peliculas a partir de los trailers? En general, nada, nos venden algo llamativo y colorido que en general tiene poco que ver con el film. De hecho, sospecho que cuando mas tiene que ver la publicidad con la pelicula, mas predecible, mas categorizable, sera el film. No importa. No se trata de inventar tesis, sino de denunciar una pelicula entera a partir de su trailer. Exagerado? Vean por ustedes mismos....

http://www.youtube.com/watch?v=7e3xIE5QDlw

Es buenisimo. Es totalmente genial. "Yo tambien tuve mi primer amor... solo que a mi... (se quiebra) no me duro...". Es buenisimo.

...hay ciertas cosas que generan tantos sentimientos que las palabras se amontonan como en la boca de un embudo, sin poder salir. Quien financio este proyecto? Por que actuan tan mal los actores? Por que todo es tan berreta? La primera vez que vi la cola (para colmo, se trata de una pelicula con bastante publicidad, asi que la cola ya la he visto varias veces) pense en la mitad: falta Andrea del Boca. Quien aparece luego? Andrea. Nicolas del Boca (hermano? hijo?) dirige. Otra Del Boca, ademas, es la productora.

El genero telenovela mala de la tarde, con su melodrama barato, declamativo y sentimentalista, no merecia un homenaje. Pero lo peor es que no se trata de un homenaje; tampoco de una parodia (piensen lo bien que funcionaria la pelicula si en lugar del actor principal estuviera Capusotto). Se trata de una pelicula convencida de que es buena, de que esas frases totalmente melosas y trilladas, dichas sin verguenza una atras de otra, ese confesionalismo tonto y vacio, esa conjuncion de lugar mas que comunes, son lo que deberia ser el cine, son lo que deberia ser la ficcion. Y para colmo tenemos que asisitir a que se piense transgresora, por el estupidismo chiste metalinguistico del final. Uno puede imaginar al guionista/director pensando "que groso soy, hago una referencia al film dentro del film, jo". Es evidente que el grupo creador detras de esto no ve demasiado cine, y si, sin desmerecer un genero que tiene todo para ser genial (aunque suele no serlo, por estas cosas), demasiadas de esas telenovelas de la tarde que dan por telefe.

...Es decir: la verdad, la verdad... no parece en joda el trailer?

25 años de Volver al Futuro

2010-10-27T01:41:00.000-07:00

Social Network

2010-10-24T02:27:00.000-07:00

"The Social Network is the movie of the year.

But Fincher and Sorkin triumph by taking it further.

Lacing their scathing wit with an aching sadness,

they define the dark irony of the past decade."

(Peter Travers - RS)

Salimos del cine absolutamente embrujados. Cautivados por cierta melancolia diabolica de Red Social (Social Network), "la de Facebook". La pelicula que, en un par de gestos, en su artilleria de palabras que dicen mucho y nada, en el vacio de todos los fantasticos personajes, resume a una generacion entera, una forma de vivir, de sentir, no desde el discuro, sino convertiendolo en materia filmica: cine purisimo, a pesar de las dudas que su tematica "anticinematografica" y su aparente cualidad de "obra de urgencia" provocaban en los prejuiciosos.

Se ha leido por ahi que Avatar habia creado un nuevo cine, una nueva visualidad (y la tecnologia para alcanzarla). Pero (y no tenemos nada contra Avatar) apostamos que a Red Social se la recordara mucho mas. Llena de imagenes fantasmales que deconstruyen una era, sus mitos de felicidad y su incapacidad para interactuar, para comunicarse, en la era de la comunicacion absoluta. El simbolo de todo es, claro, la experiencia virtual. Encarnacion del sueño americano, y de la pesadilla que sobreviene, el obsesivo protagonista (el recontra actorazo Jesse Eisenberg) toma todas las decisiones incorrectas, se convierte en un verdadero hijo de puta, y sin embargo, ni el director ni nosotros podemos odiarlo. Y es que esa desesperacion latente es el motivo detras del exito de las redes sociales, el motivo por el cual todos las usamos y somos parte. Es de la soledad de lo que habla este film lleno de paradojas (comunicacion/incomunicacion, popularidad/soledad, etc) que exponen la grieta entre lo ideal (hoy lo virtual) y lo real que desgarra a cualquier persona (tambien al creador del invento que unio a 500 millones de personas, paradojicamente).

No podemos decir demasiado con claridad en este momento. Les dejamos el brillante trailer (uno de los trailers mas fieles y efectivos que he visto en mucho tiempo) con una cancion que tambien supo resumir el sentimiento de toda una generacion. A ver si se entusiasman y van.

Sobre Funny People, Judd Apatow, los comediantes y... la humanidad

2010-10-21T00:44:00.000-07:00

Durante bastante tiempo esperamos “la nueva de Apatow”. Virgen a los 40 y Knocked Up habian reescrito la comedia y puesto en escena a los nuevos humoristas de Hollywood. El maestro habia anotado su nombre (incluso como escritor) en muchos proyectos posteriores y similares que surgieron a un mercado hambriento de esta novedad, pero no habia filmado ninguno tras sus dos geniales films. Llegaba la nueva de Apatow. Directo a DVD. Y la copia pirata se hacia esperar. La expectativa aumentaba.

Y llego. Y la vimos, y nos reimos exagerando algunos de sus chistes, entusiasmados. Y ojo, nos gusto. Pero cierta decepcion quedo dando vueltas, se percibia en las largas y rebsucadas explicaciones acerca de por que era buena. Aparecian ya algunas voces rebeldes: pelicula rara, no encontro el tono, despareja...

Pero la pelicula quedo dando vueltas sutiles por la mente de todos nosotros. Como una inquietud. Cada tanto, en charlas, la referenciabamos. Inmediatamente despues de la referencia y la risa, cruzabamos una mirada incomoda: que nos habia parecido Funny People? Pero por miedo (a las respuestas de los otros o a mancillar a Mr. Apatow) el tema cambiaba rapidamente.

Hasta que un dia ocurrio. Nos dimos cuenta del error fundamental de esta era hecha de trailers en YouTube: la cola de la pelicula (y el entusiasmo y la expectativa) nos habian jugado una mala pasada, esperando “otra de Apatow” (en esa estupida comodidad que sufre a veces el amante de las peliculas de genero), de gritos, de gordos judios, pedos, pajas y demas. Todo eso esta, claro, pero desacomodado, extrañado, cruzando la fina linea entre lo gracioso y lo vergonzante, lo patetico. No era gracioso, no paraba de dejar pagando a sus personajes, de ponerlos en evidencia como seres perturbados y absolutamente descentrados.

Y esa era la cuestion.

Funny People no es una comedia. Claro! En realidad es un oscuro drama con un humor negrisimo que no hace mas que resaltar la pateticidad de los comediantes, y de toda la raza humana. En el visionado como comedia, uno terminaba pensando que en realidad habia poco de gracioso, un tono que no terminaba de encontrarse (la famosa dramedia) y un inicio de film que se pinchaba en la peripecia final. En realidad, el inicio comedico ya muestra la hilacha, ya es sintoma de la pateticidad del comico, de cierta carencia. Por eso algunos stand ups, segun el propio director, no causan gracia. El error ultimo es, por supuesto, pensar que Sandler y Mann van a terminar juntos... cuando en realidad, como dice claramente Seth Rogen (en una de sus mejores actuaciones, de una muy sutil y expresiva gestualidad, alejandose para su bien de su demasiado replicado rol habitual y ya caricaturesco), lo que estamos viendo es un tremendo accidente inminente, una tragedia.

Funny People es la reflexion sobre la comedia hecha por un comediante: sobre las raices oscuras, sobre las resonancias tragicas del humor, sobre ese limite entre la comedia y la desesperacion. Los comediantes, como en las grandes peliculas sobre comediantes (The King of Comedy, Man on the moon, la de Peter Sellers) no son personajes afables: son seres oscuros, desesperanzados, con una perturbadora y filosa claridad que los hace desagradables escupidores de verdad, que como George Simmons explica, obligadamente necesitaron convertir la realidad en comedia para sobrevivir.

Este nihilismo provoca el lema con el cual se vendio la pelicula: que el personaje principal no aprenda nada de su experiencia cercana a la muerte. Sigue los pasos convencionales, expia sus culpas, se junta con amigos. Pero no encuentra ahi lo Importante. Lo unico real que sintio fue con Leslie Mann... pero bueno, ahi se viene otro golpazo –y una necesaria murra australiana- para el pobre George (el que le dara el verdadero aprendizaje, el del corazon roto), que esperaba, como nostros estupidos consumidores de trailers, un final de comedia romantica.

Ira es todo lo contrario: mientras al descreido George no le mueve un pelo ver a quien podria haber sido su hija cantando Memories, a Ira, que ni siquiera la conoce, le hace llorar. Pero claro: Ira no es gracioso. Ni siquiera es gordo, lo que como apunta Jonah Hill le daba cierta humoricidad: nada en el es lo suficientemente patetico para ser gracioso.

Ira se vuelve gracioso a lo largo del film: su aprendizaje consiste tambien en un oscurecimiento. Uno de traiciones, perdidas, despidos y todo tipo de derrotas. De ser un tipo idealista, que espera que una chica no se acueste con un tipo si no lo conoce bien, un tipo mas bien quejoso, estancado, pasa a ser a un tipo... ¿emprendedor?, gracioso, aunque, claro, necesariamente mas descreido. En esa condicion humana, comediante, se juega la tragedia, el chiste final, fatal: el humor solo existe para disfrazar la soledad, la patetica incomunicacion, de la existencia, como contracara necesaria de esta. Una pelicula con semejante tematica no podia ser una comedia: pero tampoco podia dejar de hacer chistes, buenos, malos, asquerosos, tremendos, que pusieran en evidencia, como la punta del iceberg, la desesperacion que respira debajo de cada humorada.

Apatow escapa a replicar la formula (que el creo). Pero su merito no esta nada mas en "habersela jugado a cambiar" meramente, como han implicado algunas de las pocas criticas que recibio el film por los mares del sur. Sino en crear una pelicula jugada, limitrofe, que toca un nervio intimo, verdaderamente intimo. Judd Apatow, el de las comedias disparatadas, es (sigue siendo, ya lo era, tras sus dos primeras comedias disparatadas) uno de los directores mas profundos y emotivos que ha dado el cine.

Las mejores peliculas de futbol

2010-10-09T21:23:00.000-07:00

Este blog planeo revivirse y con la moda del Mundial saltar a la fama facilmente haciendo la mejor disquisicion sobre las mejores peliculas de futbol de la historia. Llegamos tarde. Extremadamente. La fiebre asi masiva por el deporte rey volvio a afectar a la misma minoria de la poblacion gritona, adulta y obsesionada con detalles puntillosos del juego que a nadie le interesan. El tema es que nosotros somos de esos. En gran parte, nuestro trabajo para este blog se ha visto afectado por nuestra obsesion. Por eso mismo, quizas, perdimos el tiempo discutiendo inutilidades como los apasionados cinefilos y futboleros que somos. (En el interin descubrimos un festival sobre peliculas de futbol y un blog sobre cine y futbol, al que le robamos este video de Monty Python para arrancar la lectura con felicidad). Aunque en rigor de verdad, es un tema dificil de por si: hay muy pocos buenos filmes sobre futbol, o al menos que tomen el tema de futbol, si uno es futbolero. Hay toda una serie de filmes que usan marketineramente el futbol, y algunas inclusive son buenas peliculas, pero ninguna es verdaderamente futbolera: tocan otros temas, tratan de otras cuestiones y la gente juega al futbol, en general sin ningun sentido de tecnica o estetica (si, estamos hablando por ejemplo de Bend it like Beckham –gran pelicula-, pero tambien de todas esas peliculas que mezclan futbol y politica).

En lo unico que nos pusimos de acuerdo fue, entonces, en que esta lista sera de filmes futboleros. Se excluyen este tipo de peliculas mencionadas, y tambien aquellas que quieren hacer del futbol un bello ballet estetizante, privado de su barro y mediocridad y unidad humanas. Desde ya, habra algunas excepciones: entran la politiquera y mal jugada Victory (Evasion o victoria), y tambien Zidane, ese documental artie para admiradores de algo que no es futbol sino elegancia. Entran, pero de ellos no sera este ranking.

Bueno, a la lista en si. Hay documentales, claro: ninguna pelicula de ficcion ha logrado captar la respiracion del cesped. Hay polemicas exclusiones (Heroes y su epica continuacion son en realidad malisimos documentales, simplemente subsisten como obras maestras por el material que trabajan). Hay un ganador mas que polemico. Pasen y vean:

10) Zidane: a 21st Century Portrait

Seguimos a Zidane. Solamente a Zidane. Corre, tambien trota y camina la cancha. Toca poco la pelota, escupe, da indicaciones. Se chamuya al arbitro, tira un par de lujos, juega mal. Hace magia y hay gol.

Lo escuchamos respirar, y de fondo escuchamos una bella musica (Mogwai) y algunas reflexiones del astro. Ninguna es banal, y las ultimas (al compas de uno de esos temas que te rompe el corazon, pero bien de fondo) son absolutamente emotivas.

Zinedine tiene algo de reo en su mirada, en esa mueca casi de asco y cansancio, en el ceño siempre fruncido, enojado, haciendole sombra a los ojos... que lo hace parecer Eastwood en un desierto verde. Es sin dudas magnetico, una estrella (como lo fue George Best, que realizo este mismo experimento en los 70s, en la dificil de conseguir y algo menos artistica “Soccer as never seen before”). Por el (que se va expulsado, vaticinando su final como el heroe tragico que siempre llevo dentro) el filme funciona. Es, sin embargo, tremendamente experimental y su belleza es muy conceptual, para nada portadora de esas gestas de 11 tipos sucios. Su merito mayor es ser el primer filme que capta la maravillosa transpiracion del cesped, en el que tantas tardes tantos hombres se han perdido jugando.

9) Green Street Hooligans

Una pelicula verdaderamente epica que revivio el tema pandilleril por un rato. Porque los barrabravas son los malos de la pelicula, todos lo sabemos, pero por un rato este tipo de peliculas nos recuerda que quizas haya algo bueno, algo similar al futbol, en ese grupo de rufianes solidarios. Sin embargo, esta vision es extremadamente purista (o quizas los barrabravas argentinos son simplemente peores; pero por lo visto en varios filmes –“The Football Factory”, “One night in Turin”- no es el caso): es su purismo, su idealismo, el que nos permite disfrutar por un rato algunas buenas bataholas de consecuencias necesariamente tragicas. Asi se sostiene la pelicula, caminando la peligrosa linea de la ingenuidad y el lugar comun, pero saliendo totalmente airosa, al menos, como una pelicula energizante, cuestionadora de cierto aburguesamiento intelectualoide: hay que pelearse mas.

8) El Camino de San Diego

Maravilloso film casi sin argumento sobre lo que significa el Diego. Si, su figura ha quedado (una vez mas) dañada despues de la goleada y varios exabruptos. Pero quien puede decir que no es Maradona el simbolo de nuestro querido pais?
Muchas peliculas han intentado retratarlo, desde el documental, desde la ficcion, desde todos lados. La mayoria ha fallado o se ha quedado corta. Esta pelicula es un verdadero canto a la esperanza como lo fue el Diego jugador para el pueblo argentino (y tambien como DT, porque su asuncion fue el equivalente a la invocacion de una solucion magica, mistica, a los problemas de la seleccion, el pais y el mundo... que salio mal, claro estaba), y por eso lo representa tan bien. Y tambien representa, mejor que GSH inclusive, el sentir de un hincha de futbol.

7) Victory

Bueno. Esta para muchos deberia ser la numero uno. Por que? Michael Caine no toco un fulbo en su vida (y es ingles!). El innombrable se muestra claramente duro, ni una magia. Lo de Stallone de arquero es peor que lo de los gorditos que uno mandaba al arco en su infancia. Desde ya sangra, y es maravilloso ver a Sly sangrar. Y actuar, y todo. Y es sin dudas un film emocionante, conducido por el maestro John Huston. Pero... para nosotros, como film futbolero se queda corto. Los entrenamientos lejos estan de reflejar esa suciedad, esa transpiracion del cesped reflejada (parecen mas bien entrenamientos de soldados... bueno, y algo de eso hay). El partido esta muy bien filmado, pero lo que es epico en si es el resultado final, porque en el partido lo que vemos es a un brasuca mariconear, a un equipo trampear y al otro empatar de atropellada. Opinamos que la atropellada tambien carece de la mugre de patas necesaria. Tampoco comprendemos por que la distorsion tan tremenda de la historia original (aquella del Dinamo enfrentando natsis). Ah, claro, cuestiones politicas y patrioteras. Y bue. Es un peliculon. Pero esta hecha por gente que no ama al futbol, sino que lo usa de vehiculo para contar una historia, una idea. Los futboleros opinamos que, por mas encandilados que estemos por esta ficcion de sabado a la tarde por Telefe, eso se nota. No la quisimos excluir, porque estan Stallone, Caine, y porque la escena final es genial, muy divertida. Pero de ninguna manera podria ser nuestra numero 1.

6) Rudo y Cursi

Especie de "Goal" menos vendehumo, menos ingenua y menos melodramatica y, curisoamente, mucho mas dramatica donde cuenta. Francella hace de Francella (y de un personaje estereotipicamente argentino llamado Batuta) y el duo de hermanos mexicanos funciona bien: uno es arquero y conocedor del juego, el otro es el talento, y tambien el capricho. Las maximas del Batuta son... bueno, realmente representan muy bien esa seudofilosofia romantica martinfierrista (no se trata de hermanos desunidos que son devorados por los de afuera, al fin y al cabo, el filme?) que proviene del cafetin, es decir, la filosofia del argentino que se las sabe todas (Francella, ofcors): algunas son asperas verdades, otras cursis romantizaciones, otras, garquismos chauvinistas argentinos. Funcionan de todos modos porque el personaje de Francella esta caricaturizado (Francella solo puede ser una caricatura, aunque “El secreto de sus ojos” los desmienta) y entonces sus aforismos se tiñen de la ambiguedad de no saber si son proferidos con seriedad o francellismo, y es alli donde se juega el discurso del film, en un terreno ambiguo, sucio y hasta tragico tras su faceta de pinche comicidad ranchera.

El final es de un coraje enorme: las resoluciones en mayoria las comedias (una buena generalizacion seria decir “no en las buenas”) suelen disolver el conflicto. En su defensa quizas, la solucion magica funciona muchas veces como una ambiguedad en si misma, como una marca de la artificial (por ende, imposible) resolucion de la duda. Aqui en lugar de disolver el conflicto, se lo afronta hasta sus ultimas consecuencias. Tragedia, con mascara de comedia, porque la vida sigue, y se puede vivir, y el futbol es, a pesar de todas sus miserias que reflejan lo que todos ya sabemos, el futbol, ese instante de gloria que es ideal e imposible para la mayoria de los mortales. Quizas ese deseo de fama, y los mecanismos urdidos para alimentarse de las ilusiones, son lo que verdaderamente bombardea “Rudi y Cursi”. Brillante cierre, con creditos al son de la cancion de Cursi... en ingles. Y si.

5) Hermano

A esta altura tengo que decir que de mis lecturas insomnicas de manga no saque sino un fetiche enorme por la historia de dos hermanos que medio se apoyan y medio compiten. Este dramon lacrimogenisimo, novedad absoluta puesto que todavia no sale sino en B-rreta-Rip, chamo, quizas no tenga el nivel filmico de “Rudo y Cursi”, pero si es mucho mas futbolero: por empezar, sus protagonistas (como pocos en la historia del cine de futbol, incluyendo “Goal”) saben mover la pelotita. Y las escenas futboleras son bien bonitas, con mucha tierra de potrero, pierna fuerte y demas. Ahora... tengo que confesar que el nivel de melodramatismo es absolutamente exacerbado, bien filme latinoamericano “terrible”. Sin embargo, es una de las primeras peliculas de futbol que logra contar una historia de futbol de un modo clasico, sin tomar un punto de vista marginal al deporte o convertirse en parodia. Por otro lado, tiene todo lo que “Goal” (otro melodramon golpebajista) querria tener. Los sentimientos alli impostados son aqui sinceros, y por eso los golpes bajos que intuimos al inicio al final funcionan. Otro final tremendo, aunque este podiamos intuirlo. Quizas si la vuelvo a ver, la ambiguedad tremenda de “Rudo y Cursi” termine por desbancarla, pero como pelicula futbolera es sin dudas mejor.

4) Shaolin Soccer

Brillante comedia que justifica los magicos excesos piruetisticos de Supercampeones con una idea simple: combinar el futbol con el kung fu. La idea es del protagonista de la pelicula, que convoca a sus hermanos, uno mas destartalado que el otro. El delirio que proviene de ello incluye espectaculares escenas de accion (una de ellas, belica), espectaculares piruetas, goles, hermosas patadas quebradoras, espectaculares escenas de entrenamiento, y espectaculares arqueros alienigenas... Todo en esta pelicula es espectacular.

3) Fever Pitch

El segundo libro de Nick Hornby, que luego escribiria los exitazos Alta Fidelidad y Un Gran Chico, entre otros, fue una especie de autobiografia futbolizada. No le gustaria este mote a Mr Hornby, porque para el, como para cualquiera de nosotros, no existe autobiografia posible que no este atada irremediablemente, para bien o para mal, al futbol. Aquel libro era una especie de suma de anecdotas ensayisticas, pero enseguida le propusieron hacer de aquel gran libro (uno de los mejores libros de futbol) una pelicula. Enter la trama romantica, el futbol en el medio de una relacion, de una carrera, en fin: algo habitual para los grandulones que seguimos refrescando la pagina de canchallena a las 3 de la mañana para ver si hay alguna novedad. Sin dudas es la pelicula que trata con mayor agudeza al hincha, con una inteligencia devastadora desarma el fanatico obsesivo (Colin Firth, genio), lo expone, pero tambien ensalza su pasion en una epoca de desapasionamiento y calculo. Una pelicula maravillosa, que se resuelve con un gol sobre la hora, como deberia ser siempre.

2) The Damned United

Bueno, esta es sin dudas la mejor pelicula de futbol. Esta segundo por meritos de quien es primera (luego hablamos de eso), pero no caben dudas de que es la mejor. Asi la eligieron, inclusive, en el mencionado festival futbolero (nos sorprendio la similitud de su ranking y el nuestro). Basada en una historia real, narra parte de la vida de un entrenador pedante y genio del futbol, Brian Clough: no su era de campeon de Europa con el Nottingham, sino sus años de gloria en Derby seguidos por su perdicion como comandante del temible y odiado y multicampeon Leeds, un compendio de bravos indomables. Una pelicula feliz, triste, con ese humor tan britanico, emotiva hasta la medula, narra, al fin y al cabo, la historia de amor entre DT y asistente, y en el medio habla mucho de futbol.

1) Mike Basset: England Manager

Mike Basset es una historia ridicula. Vence a todas las peliculas del ranking por la lucidez con que retrata el circo futbolero: pero probablemente como pelicula sea peor que todas. Esta pelicula, ademas de una parodia para TV, es una falta de respeto al futbol, su seriedad y su absurdo, hecho desde el mas profundo amor por el futbol. Aunque imperfecta, “simpatica” para cualquier critico, en el ranking de peliculas de futbol tiene que estar primera. Es la pelicula mas futbolera del ranking, la que menos poetiza el juego, la que menos individualiza la historia, la que muestra el punto mas glorioso y a la vez el punto mas patetico de un juego que no es perfecto pero, como a esta pelicula, uno no puede dejar de amar. La ultima conferencia de prensa de Basset, tecnico anticuado,cincuenton y regordete que pasa de dirigir en el ascenso a dirigir la seleccion, me pone la piel de gallinas de solo pensarla. “Señores, vamos a jugar con el 4-4-PUTO-2”, es la mejor declaracion de principios del universo.

Bielinski

2010-08-21T01:06:00.000-07:00

Hacemos un parate (¿un parate? ¿Pero si hace 2 meses no escriben? ¡Ñoquis!) para reproducir este breve comentario del critico preferido de la casa, Javier Porta Fouz, acerca de los 10 años del estreno de la película que cambió el cine argentino: Nueve Reinas.

Para nuestro regreso(no podemos decir cuando sera) prometemos ranking de films futbolisticos, discusiones sobre El Origen y tambien sobre la nueva movida de peliculas que subvierten el genero de los superheroes (esperando, claro, ansiosamente esa bizarreada que esperamos que sea The Expendables, la de Stallone con heroes de carne y mugre). Para esta altura, no hace falta aclarar que nuestro formato original tripartito se desbordo hasta desaparecer en el mar.

Entonces, el homenaje a Bielinski.

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UNA DÉCADA, UNA MEDIA DÉCADA, UNA AUSENCIA
El mejor

Por: Javier Porta Fouz.

En unas semanas (el 31 de agosto) se cumplirán 10 años del estreno de Nueve reinas. Poco después (el 15 de septiembre) se cumplirán 5 del estreno de El aura. Según este ritmo, Fabián Bielinsky debería estar por estrenar en 2010 su tercer largometraje y sacudir al cine argentino con otra obra maestra. Pero Bielinsky murió el 28 de junio de 2006, un día que marca la mayor pérdida para el cine argentino presente y futuro.

En una entrevista publicada en El Amante en ocasión del estreno de Nueve Reinas, Bielinsky respondía sobre sus referentes cinematográficos. Lo primero que mencionaba era: “cine americano, clásico y muy fuertemente narrativo”. Podría decirse que en sus largometrajes Bielinsky se nos presentaba como un cineasta “americano” cabal, de esos que agregan talento y experiencia a un saber hacer que existe previamente. Una de las magias de Bielinsky consistía en hacernos creer que existía, en el cine argentino, un saber hacer que lo precedía. Pero en realidad se trataba de un hombre extraordinario que creaba, galvanizaba ese saber hacer. Bielinsky fue un fenómeno solitario, un accidente feliz que duró mucho menos de lo que el cine lo necesitaba.

Pero si la presencia de Bielinsky fue un accidente feliz para el cine argentino, sus películas fueron no fueron nada azarosas sino planificadas al milímetro, pensadas, sentidas. Y amadas, por el director y por el público. Obras de un obsesivo, de un tímido inteligentísimo (como Borges, y no por nada Bielinsky adaptó a Borges en su corto La espera, de 1983), Nueve Reinas y El aura son un legado cinematográfico inconmensurable. Bielinsky hacía su cine desde una enorme sabiduría cinéfila y con la seguridad del manejo de la narración clásica, y sabía plasmar sus saberes en un cine contemporáneo y argentino. Al final de Nueve Reinas veíamos el colapso del personaje de Marcos (Ricardo Darín, y esa es la película de su consagración definitiva como actor de cine) ante el cierre de un banco, que adelanta el colapso de 2001. En El aura, el taxidermista (otra vez Darín), despertaba en un cajero automático al comienzo de la película.

En 2007, la gente de Picnic Editorial (http://www.picniceditorial.com.ar/) me pidió un estudio crítico sobre El aura, para su Colección de libros sobre el Nuevo Cine Argentino (el libro sale ahora en septiembre, y el primer párrafo de esta nota, apenas modificado, proviene de él). Vi muchas veces El aura y puedo citar no pocos de sus diálogos de memoria. Mientras estaba trabajando sobre la película, con la que estaba muy familiarizado, volví a ver Nueve Reinas, que no veía desde antes de la muerte de Bielinsky. La vi de corrido, muy concentrado, y había detalles que se me habían olvidado. Cuando terminó, con la canción Il ballo del matone, cantada por Rita Pavone, luego del “me acordé cómo era” de Juan/Sebastián (Gastón Pauls), lloré. Lloré por la perfección de la película, y porque Bielinsky no iba a volver a hacer otra. Era la segunda vez que lloraba por Bielinsky, y eso que apenas lo había visto y charlado brevemente con él una sola vez. Pero al enterarme de su muerte por un mail en un cyber en Praga, lloré, y fue la única vez que lloré ante la noticia de la muerte de un director de cine. Tal vez haya sido porque estaba solo en una ciudad desconocida, o tal vez haya sido porque la pérdida era demasiado grande: el cine argentino es hoy mejor gracias a las películas que nos legó Bielinsky, pero sería mucho mejor con él en actividad, con su figura amable acumulando DVDs (y los blu-rays que no llegó a conocer) de cine americano de los setenta.

http://hipercritico.com/content/view/2857/38/

Polemicas inutiles: 2012

2010-06-08T09:24:00.000-07:00

¡Rompan todo!

2012 contra todos

El habitual lector del blog (el lector fantasma) sabra de nuestra aficion por el cine catastrofe, por el “”reciente”” sabado tematico. Bueno, para nosotros 2012 fue el sumum de todos los grandes filmes catastrofe, con el desparpajo de las mas baratas y la grandeza de las mas solemnes. Una pelicula que nos resulto en todo momento atrapante, emotiva, y para nada hueca, como se dice por ahi con mucha impunidad (quien va a dudar si alguien dice que 2012 es boluda?). Nos sentimos solos en la cruzada por su defensa y, como sucede siempre, nos pusimos a la defensiva y empezamos a tirar toscas para todos lados. Asi nacio esta nota.

No señalamos a nadie: 2012 no se trata de ningun modo de un yunque industrial hecho con desidia, pero la realidad es que tanto los antecedentes de Emmerich (para mi, horrendose filmes impersonales subrayadisimos que debere volver a ver a la luz de 2012) y la propia estrategia de marketing del filme hacian creer que veriamos un festival de efectos y nada mas. Pero no. La narracion pura y clasica triunfa (por una vez en estas peliculas), el inverosimil se hace fiesta maravillosa, vehiculo de emociones fuertes, puras. Y cierta cotidianidad en los personajes (absurdamente tildados de incoherentes; por que? Cuanto mas “psicologicamente construidos” estan estos tipos –de tipologia- de los tipos de la tan festejada Avatar, otra de tipos y trama clasica?) nos ayuda a creer todo. Tambien, claro, la fe en el cine, en su capacidad de maravillar, sin la cual ni vale la pena ir a ver la pelicula.

El titulo festivo del clarinista Diego Lerer a su critica de 2012 que aca robamos (¡Rompan todo!) queda sepultado bajo una avalancha de mala onda hacia el filme (otro que lo califico de regular; evidentemente “algo” impide que lo califiquen de malo, algo que sabe que la gente mira las estrellitas y no lee las criticas; y tampoco va a calificarla de “buena”, si lo considerara asi, porque perderia desde ya toda credibilidad ante el lector prejuicioso, que es cualquiera de nosotros despues de todo). Vamos a intentar reivindicar semejante titulo, festejando ese hermoso “rompan todo” y revalorizando el placer puramente sensorial del cine clasico, el de las formas que conocemos, que esperamos y que podemos obviar.

2012 VS EL PREJUICIO

2012 es una de las mas peliculas que mas disfrute ver en los ultimos años. Asi de importante es en mi filmografia personal. Y sin embargo, tuve que luchar contra muchos prejuicios para admitirlo, lo que me ha devuelto cierta inocencia, cierta fe en el cine. Porque 2012 no cambia el cine, ni siquiera lo homenajea: simplemente lo continua. 2012 es un acto de fe (en la humanidad y sus creaciones) y de alguna manera esta nota refleja las elecciones y los caminos del cine tras su agotamiento.

Pero uno no puede sacarse la cabeza antes de ir al cine, asi que lleva consigo sin quererlo las expectativas: entonces, 2012 fue rapidamente etiquetada como un entretenimiento “yanqui” y “pochoclero”. Y esto, si bien no deberia serlo, es siempre despectivo. Con esa idea en la cabeza, aunque el goce sea increible (como lo fue en mi caso) la racionalizacion posterior, contaminada, sera hablar de 2012 como una pelicula menor, una huevada. Leonardo D’Esposito, en una nota de una sutileza brillante e inalcanzable para mi prosa hiperextensa y subexpresiva (que adjuntaremos al final de esta perorata) explica este proceso (con algo de incorreccion politica) al comparar La cinta blanca (“una genialidad genial”) y, justamente, la pelicula en cuestion. LMDE es uno de los pocos criticos del pais que no defenestro la pelicula de Emmerich y reconocio el placer que le genero. Porta Fouz hizo lo mismo en su blog; el resultado fue que comentaron en otra entrada suya que no habia que tomarse en serio lo que dijera, porque habia recomendado 2012...

2012 VS AVATAR Y LA CRITICA

En el mes de diciembre de 2009 se estrenaron Avatar, la monumental obra de James Cameron, y 2012, la “bestial” (PF dixit) pelicula de Emmerich. Pero no es tan gratuita y arbitraria la comparacion que intentaremos. Por su fuerza clasica (con diferencias que marcaremos). Pero sobre todo porque nos permite subrayar como, ante dos tanques hollywoodenses y pochocleros, se emplean discursos diametralmente opuestos.

Leonardo M. D’Esposito, que escribe para Critica y El Amante, ha sido en mis lecturas el mas ferviente defensor de lo trascendental de Avatar: una reescritura, una resignificacion del lenguaje del cine que supera su supuesta muerte ante la cual apenas quedan el homenaje y la parodia, gestes referenciales que lentamente deconstruyen el cine hacia la nada. Arremete LMDE contra los criticos “tibios” que espera encontrar en los medios, arengando a pensar de una nueva manera el cine, a responder con una nueva critica este nuevo cine que solo puede verse en las salas.

LMDE tambien ha defendido a 2012, otra para el cine. Pero esta defensa apenas encuentra eco en los medios, y en El Amante, donde fue recibida de modo positivo, apenas le dedican una nota (excelente, de la pluma del propio D’Esposito).

Ahora: mientras los diarios se llenan de notas de Avatar (notas absurdas pseudocientificas, por momentos), 2012 fue rapidamente olvidada en la cobertura mediatica. Y de la misma manera de que sera casi imposible (pudor snob) encontrar uno de los millones de espectadores que reconozca que le encanto 2012, los criticos de los medios relevantes escriben criticas automaticas, con mucho “tipico producto yanqui” legible entre lineas. Criticas sin rigor, que unidimensionalizan la pelicula a “una de explosiones” llena de “lugares comunes”: esta claro que fueron a buscar eso al cine, y que no miraron la pelicula (que, de hecho, no enfatiza el lugar comun o el discurso moralista y subrayado). La critica tibia y desidiosa fue para 2012: Avatar recibio lauros de todos lados, muchas estrellas, y algo tan contradictorio como criticas que no hacen hincapie en el aspecto revolucionario que señala LMDE y sin embargo fomentan casi euforicamente la importancia de una pelicula “impresionante”. Los mismos, claro, argumentan que 2012 es puro efecto y entretenimiento vacio. Pero el fuerte de Avatar no es su trama, justamente (bastante tipica y, algo que nadie parece haber notado, levantada de Ghibli). Es su lenguaje. Aquellos criticos que, por subestimar al publico o por su propia “critica de la sensacion” no reparan en lo importante de Avatar, como es que dicen que es imprescindible verla? Pero Avatar era importante desde antes de salir y 2012 era pochoclera desde su concepcion: los criticos necesariamente (como esta nota) se hacen eco de otros criticos, y las etiquetas ya estaban puestas.

La supuesta unidemensionalizacion de 2012 tiene tambien otra explicacion: no hay tanto para discutir sobre la de Emmerich como sobre Avatar. Las elecciones formales de 2012 son claras y clasicas, y este fuerte clasicismo genera la ya señalada critica automatica que en ningun momento logra ver las fuertes ambiguedades que plantea la trama (tremendo golpe cuando nuestro geologo, desafiado por el burocrata para que deje su lugar y lo ceda a unos trabajadores si tan injusto cree el proceso de seleccion, elige su salvacion; escena breve y escondida, pero poderosa, subconciente), ni su fuerte humanismo y laicisismo. Y se escribe entonces que el lugar comun, que el subrayado, que el golpe bajo... pero nada de eso caracteriza realmente a 2012, sino solamente a la imagen de 2012 que el espectador y el critico llevan al cine. Es cierto, no son estas cuestiones discursivas comparables quizas con la alegoria cameroniana new age, que funciona en varios niveles. Pero tampoco este dice nada, y, aca si marco un fuerte punto a favor, en cuanto a narracion en si, la de Cameron si subraya y retrasa, mientras que 2012 encuentra el modo de plantear su discurso en el vertigo y la aventura puros.

Avatar crea un mundo de un modo novedoso, a traves de una tecnica (un modo de ver) que cambiara el cine, probablemente. No es una ruptura: es una continuidad apostando a salir de las comodidades de los medios y forzarlos a construir nuestros sueños. 2012 comparte esta megalomania cameroniana, pero donde la importancia conciente de Avatar conspira contra ella misma (por momentos cierta solemnidad se escabulle entre los paisajes maravillosos, y estos y toda la fascinacion se convierte en algo serio, aburrido) 2012 es puro desparpajo, puro festejo. Señala LMDE la filiacion de 2012 a la clase B: aquel que hable del absurdo de la pelicula como critica, para que mira cine? Para pensar, para todas esas huevadas mentirosas que apuntalaron tanto bodrio y tanta bajada de linea? O para disfrutar? Y Avatar, al fin y al cabo, es importante porque exponencia el disfrute, y no porque “haga pensar”. Y LMDE señala que tambien Avatar reescribe la clase B (pero con platita); pero no. La clase B es festiva, Avatar es maravilla, pero solemne. Es poesía, pero ha heredado de esta tambien su seriedad acartonada. Avatar es una pelicula que se proyectara en toda escuela de cine de aca a un siglo; 2012 es la pelicula que uno se juntaria a ver con amigos, o con sus hijos. Y sin embargo, el que diran impide que cataloguemos a 2012 como algo mas que un placer culposo, una grasada divertida.

2012 VS EL ESCRITOR FANTASMA

Damos el salto final, el salto ahora si arbitrario: un fino hilo que tiene corta vida une ambos filmes, y ese hilo es tan caprichoso que puede ser absurdo. Pero no interesa. El interesantisimo film de Polanski borra a Polanski: decide matar al autor y dejar en su lugar su fantasma. La operacion compleja de Polanski es otra posibilidad futura para el cine, similar a la planteada por Tabarovsky en “Literatura de izquierda”: volver de las rupturas pero con la cicatriz. Volver de la muerte. Ser, todos, escritores fantasmas, porque no existe ya lugar para la ingenuidad creativa.

Bueno, todo esto suena cierto y genial, pero Emmerich borra todo de un plumazo. 2012 apela a nuestra sensibilidad necesariamente hollywoodense, si, pero no la reproduce; no es clise, no es homenaje retro o parodia, tampoco reescritura. Es puro placer: elide decisiones esteticas, o mejor dicho, borra al autor con tanta fuerza, dejando tan poca marca, que no podemos sino creer que el director cree en la continuidad del cine clasico, sin interrupciones, sin vangaurdias, sin cicatrices. No es el primero en profesar esta fe en el cine, en ser dueño de una ingenuidad tan fuerte que parece una elección, una elección convencida, y no simple producto del legado cultural de la globalizacion.

Todo se complica cuando, aun riendonos entre dientes de las imagenes de destruccion surreal, cuando todavia subestimamos esta pelicula y pochocleamos, inadvertidamente, nos sorprende, nos encanta, nos maravilla. Y nos pone en una encrucijada: podemos todavia confiar en el cine clasico? O todo se reduce ya a las reescrituras y replanteos, a la inteligencia y el ingenio?

Al salir del cine vibrando emocionado por tanta maravillosa destruccion, tanta emotividad (es cierto, como se sale de una cancha de futbol) no podemos sino responder que si, que mientras siga fresca en nuestra mente nuestra educacion sentimental (hecha de epica y no de Kiarostami) que ese cine sigue vivo. Al menos, como posibilidad.

APENDICE: 2012 VS LA CINTA BLANCA

Una genialidad genial de Leonardo M. D’Esposito para El Amante

(coming soon...)

Reescrituras: Robin Hood

2010-05-25T08:53:00.000-07:00

Observa Mauro Libertella en el Ñ de esta semana que, de llegar una continuación de este Mega Hood, las generaciones futuras se veran obligadas a “encarar la historia desde lo minimo o lo tangencial, buscando algun corte personal para volver a darle vida”. De alguna manera esta reescritura se basa en esta sensacion, pero nosotros somos mas criticos con Riddley: si hay que volver a darle vida, es porque su version del Principe de los Ladrones asesino el mito. La grandilocuencia, la grandeza epica forzada, exagerada, el tono serio y la alegoria politica destruyen a pura solemnidad el lado jugueton y anarquico de Robin Hood, igualandolo a un heroe de guerra (algo a lo que, inclusive, podriamos oponerlo) como, por ejemplo, digamos... Gladiador. Ah, es del mismo director? No se nota ni ahi, eh. Saaallvo en el tratamiento estetico totalmente igual al de aquella pelicula, en esos exageradisimos ralentis donde el heroe cabalga y le tiran un arma, o donde el heroe grita, o donde le parten el craneo a alguien; saaaallvo en la musica, que parece una reinterpretacion de la musica de aquella (gran) pelicula con instrumentos celtas; saaalllvo en que el heroe es el mismo actor, hace los mismos gestos y le termina, por obra y arte del guion pero tambien de el, dando el mismo aura a Robin Hood (un tipo a lo sumo conflictuado) que al tragico Gladiador. En fin. Esta claro lo que quiso hacer Riddley: repetir el exito de Gladiador. Si, la pelicula funciona, claro, es entretenida y con toda la papota que tiene no se le puede reprochar nada tecnicamente, salvo su falta absoluta de imaginacion. Robin Hood resulta una copia de Gladiador, y donde aquella sorprendia esta pierde fuerza, sobre todo porque, por actor y director, resulta imposible no compararlas.

Entonces, que hacer con RH? Por empezar, alivianar la cosa. Si hay algo dificil es seguir filmand genero con la seriedad que lo hace Scott, con el detallismo y la tragedia. Han pasado muchas cosas en el medio para que esto siga funcionando, no solo las rupturas vanguardistas de los generos, sino una catarata de peliculas epicas filmadas desde 1995 (Braveheart) que ya agotaron un poco. Sigue siendo fantastico ir al cine a ver que se muelan a palos y espadazos, pero... no se le puede agregar algo mas? La de Costner le daba un giro romantico. No nos cabe. Prefeririamos un giro comedico: la pelicula deberia haber emulado el tono de Piratas del Caribe, ser comedia pero no parodia (ya lo hizo demasiado bien Mel Brooks), y la banda de Robin deberia haber sido una de queribles forajidos (algo que se insinua en la pelicula, pero que no tiene ningun efecto comedico salvo un par de gags aislados). Los Merry Men deberian ser sucios, tramposos y desleales a todo salvo a si mismos. Igual Robin Hood, que podria haber sido presentado en el limite de la etica (es un ladron, despues de todo!), en el limite de lo social. Roba, pero para bien. Scott no sabe, al parecer, imprimirle a sus heroes rasgos que no sean heroicos y tragicos, y asi es imposible perder la solemnidad.

Por supuesto, Russel Crowe es incapaz de ser un actor comedico. Tambien deberia ser un tipo menos fornido, mas esbelto. No, Kevin Costner no, alguien gracioso, pero que no sea Steve Carrell... Josh Harnett? Le falta malicia, quizas... Sam Rockwell podria andar.

Marion obivamente no puede ser la Blanchett. Necesitamos una compañera de aventuras que resista y desafie a Robin: obviamente sentiria una atraccion ingobernable por nuestro heroe, que le robaria besos y la salvaria de situaciones de peligro con resultados nefastos y contra su voluntad siempre, porque claro, se trata de un ladron. Y en esa disyuntiva entre la atraccion y el rechazo (el histeriqueo) se construiria el juego amoroso. “Dale, si no podes resistirte” seria la frase mas usada por RH, en lugar de “rise and rise again, until lions become lambs” (excelente). Yo castearia para el papel de Marion a Mila Kunis.

Los Merry Man no estuvieron mal elegidos, sobre todo Little John. Asi que por ahora, ya que esta reescritura nunca se hara realidad, lo dejamos ahi.

RAN: el regreso

2010-03-23T10:00:00.000-07:00

Antes que la Nuke

Antes que la Lazer

Antes inclusive que la Comiqueando

existio una revista. Un fanzine que devino revista que devino en quiebra. Publicada esporadicamente. Con tiradas exiguas. Con notas delirantes y a la vez perfectos analisis sobre un mundo lleno de humos poquemonianos: el mundo del anime y el manga. Ran, el robot argentino nipon. Con su fijacion por Leiji Matsumoto. Con su amor oldschool por los robots. Con su rechazo de la superficialidad del movimiento otaku que surjia. Pasaron... no se, como 10 años: yo estaba en la secundaria cuando me iba a Bs As a conseguirla.

Ahora volvio. La decana y la mejor de las publicaciones otaku: RAN, robot argentino nipon. En forma de sitio web.

http://www.robotargentinonipon.com

graciadio!

el sitio esta lleno de notitas geniales que estan impidiendo que estudie, con su celebre otakometro, por ej:
(sobre Silent Moebius)
Ambientación: retrofuturista bladerunera
Animación: la primera es una gloria, la segunda casi no necesitaron
Escena de ducha: imperdible
Rally Cheyenne: Provocamé!
Es lo tuyo si te gustan: las pelis de brujas morrudas y el primer disco de Rata Blanca

y con una seccion genial genial sobre las ediciones originales de la revista, que al parecer ni ellos tienen! Con imperdibles descripciones sobre los misteriosos contenidos y como vieron la luz, si es que la vieron

En fin. Probablemente a nadie le importe el retorno de Patricio Land a las canchas del anime. Para mi es una gratisima noticia, estoy harto de Ivrea, asi se vive el anime

Reescrituras: She's out of my league

2010-03-22T03:11:00.000-07:00

Las vacaciones terminaban el OTRO jueves, perdon si no fuimos claros.

Antes de volver, un ejercicio que esperamos se convierta en una seccion: vamos a reescribir un film como nos gustaria a nosotros. Arranque light: elegimos la pelicula She's out of my league, una nuevita de directores y escritores sin mucho curriculum. Trailer, para que sepan de que hablamos.

Reescritura de "She's out of my league"

Bueno. She's out of my league es una comedia pedorrona, cablistica, superobvia y clisada en la cual un chico se engancha a una chica que esta muy buena. El chico es un 5 y la piba es un 10, y nadie, amigos, familia, en fin, nadie puede creer que se haya levantado semejante minon.
La pelicula, a pesar de su premisa sencilla y de pertenecer a un subgenero superagotado, logra un nivel de incomodidad en el espectador con las aventuras desubicadas y vergonzantes de nuestro heroe, que solo logran las buenas comedias. Ademas, tiene muy buenos chistes y a pesar de alguno de mal gusto, tiene muy bien timing.

Todo nace con un guion genial: vertiginoso, directo al grano, y que justifica desde el guion de algunas elipsis narrativas hechas en favor de la accion (por ejemplo, cuando repentinamente ella va a conocer a los amigos de el, los amigos le dicen que es absurdo, repentino, tirado de los pelos; cuando hay que parar a un avion, un tipo se lo pide a otro y lo hacen y listo! Y funciona, ya veran por que)

En fin, a pesar de algunas cosas propias de la maquina del cine, que empalagan o asquean o aburren, la pelicula es un genial pasatiempo con algunos momentos muy buenos.

Podria, por ejemplo, ser una gran pelicula argentina. Filmada en blanco y negro. El chico por ahi podria ser menos "quirky" que Jay Baruchel (gran actor que corre el mismo peligro que Seth Rogen: quedar encerrados en un personaje); y la chica podria ser, directamente, la actriz que la interpreta (Sabrina Garciarena haciendo de Sabrina Garciarena, por ejemplo), lo cual haria que la chica fuera no solo hermosa sino tambien famosa. Eliminaria a un amigo, siendo uno de sus dos compadres el amigo sabio, el Yohei (los lectores de Slam Dunk saben de lo que hablo) similar al que aparece en la peli (aunque tendria que ser mas callado, menos declamador). El otro no seria contrera, simplemente seria incredulo. Ella tambien tendria una amiga como la de la peli, tambien incredula y critica, y tambien famosa claro. (Tengo que decir que en este intento de reescritura veo lo bien estructurada que esta la pelicula, en su propia logica y filosofia de autoayuda. Que no sera la de nuestro film). Los amigos de ellas dos seran, claro, famosos. Desde ya tambien lo sera su ex novio, el tercero en discordia. Me gustaria ver a Sabrina un poco mas insegura sobre su relacion con nuestro heroe, tentada por el glamour de su ex novio famoso y su mundo. Las peleas serian a causa de sus ex novios pero no POR ellos: surgirian con cualquier excusa, explotando esa brecha entre los dos que el orgullo y el miedo no dejan rellenar.

Pero lo mas importante seria hacer la forma menos pautada por el genero, mas libre, enfocada en dialogos costumbristas/boludos entre amigos. Menos discursos rimbombantes, y menos lecciones de vida del tipo "valorate a ti mismo" (bien llevadas a cabo en la peli): la pelicula se trataria mas bien de lo increible que es que ella salga con el, y de como la ley del embudo nos da esperanzas a todos los boludos.

Terminaria mal, claro: ella lo dejaria porque esta todo el tiempo pensando que es mejor y esas cosas, como Zeta-Jones en High Fidelity no quiere estar todo el tiempo acariciandole el autoestima a nuestro John Cusack (el modelo de protagonista en toda pelicula del genero de las comedias romanticas para hombres). El fracaso que ahora sabe que no era destinado, sino provocado por su propia impericia, lo moviliza a dejar de quejarse, criticar y reescribir (ups!) y decide hacer algo con su vida en vez de quejarse siempre. Porque nuestro heroe tiraria perfil critico de todo, como John Cusack en HF. Quizas mezclado con el brillo de Jay Mohr en Picture Perfect (que gran film). Seria algo asi como un representante de esta generacion clase media algo apatica, de mandatos paternales quebrados, en crisis, y caminos nuevos que no surgen. La ruptura con Sabrina dejaria a nuestro heroe, entonces, sin nada, pero mas sabio y con decision. Quizas nuestro protagonista, en honor a esta nueva seccion, podria ser un estudiante de facultad a medio camino que se pasa diciendo como se pueden hacer mejores las peliculas; su salto, y el final, seria una imagen de nuestro heroe que comienza a escribir un guion propia, o empezar una pelicula propia. Su titulo, claro, seria el mismo de este work in no progress, que tiene dos titulos tentativos: La vida de los otros (en referencia a la pelicula, claro, de la cual se ofreceria una posibilidad de reescritura informal en algun dialogo del filme; pero tambien en referencia a los otros, los actores, los exitosos y su mundo inaccesible); o Tiramisu(en referencia obvia a American Pie, pues esta seria una American Pie a la Argentina; a la vez el titulo en clave comedica implicaria que el protagonista se harto de ver su vida como drama, y ya paso al plano general y relativizador de la comedia; alguna referencia deberia hacerse acerca del titulo en el guion, por ejemplo que los protagonistas hablasen de la falta de comedias romanticas argentinas, de que hace falta una "Tarta Americana" argentina; tirarian entonces varios nombres tentativos -"Cocada", "Chocotorta"- sin mencionar nuestro titulo, que se le ocurriria a nuestro protagonista por alguna escena en particular del filme, relacionada con Sabrina, quizas con alguna posicion sexual y quizas con lo agridulce del amor). Nuevos titulos podrian surgir para este proyecto porque ninguno conforma.

Ese seria nuestro final. Nada de sueños de volar en avion, y terminar con Alice Eve en un vuelo pilotado por el mismo. Algo mas simple. Me recuerda un poco a El fondo del mar, ese excelente filme mal olvidado. Tambien a Los Paranoicos, otra pelicula brillante.

Escena de "La vida de los otros" o "Tiramisu"

Y algunos extractos de una tentativa banda sonora: "Examenes" de Babasonicos, "Crown of love" de Arcade Fire, "Seguir viviendo sin tu amor" del Flaco, "Dia del huracan" de El Mato, "Lost cause" de Beck, , "Chicken blows" o "King and Caroline" de GbV, "CJ" de los Cadillacs, "I want you" de Dylan, "Burbujas de amor" de Juan Luis Guerra (ja!), "Negra murguera" de Bersuit (perdon, los gustos personales nunca son coherentes), "Sugarcube" de Yo la tengo, "Tirate" de Cafeta, "Say yes" de Elliot Smith.

El jueves se acaban las vacaciones

2010-03-14T22:21:00.000-07:00

Para el lector impaciente de novedades, a partir del jueves el blog volvera a su andar normal. En la mira hay un sabado tematico veraniego, algunos comentarios sobre la polemica Avatar, relaciones con Ghibli y dos articulos relacionados a las historietas, los dos respuestas furibundas a comentarios que se pretenden progres y terminan siendo vacios. Esto, finiquitado con una review de 20th century boys, la trilogia basada en el manda, una lista de mangas que nos gustaria ver adaptados y una lista de grandes filmes basados en mangas.

Veremos, siempre nos colgamos

Atenti!

A.B.C.

Nos ponemos cholulos: noche de Oscar!

2010-03-08T01:24:00.000-08:00

Gano gano gano señores El secreto de sus ojos! Bombasai, lo dejaron a Haneke sin nadita! No puedo decir si es justo o no porque de las nominadas solo vi ESDSO, lo que si se es que la pelicula es bien corte Oscar, a la vez liviana y “profunda”, a la vez “critica” pero convencional en su critica. Es una pelicula de todos modos bienintencionada, y excelentemente lograda. Hecha para ganar el Oscar, hecha por un director mas yanqui que argentino, lo logro y esta muy bien.

En otro orden de cosas, gano el compositor de LOST! Se llevo el premio a mejor banda sonora de Up, esa gran gran peli que fue elegida mejor peli animada por sobre Coraline y Fantastic Mr Fox, entre otras. Probablemente, por el cuidado en la realizacion y la ternura, se lo tiene bien merecido y, en la misma linea del comentario de ESDSO, era mas bien obvio que se iba a imponer sobre dos rarezas animadas como Coraline y FMrF.

De los actores mucho no puedo decir, nada mas que gano el gran Jeff Bridges por una peli que no vi, perdio Meryl Streep que se habia actuado todo en J&J, y gano, obviamente, el malo mas malo de los malos, Christoph Waltz, por su increiblisimo papel en Inglorious Basterds. Unico premio al filme, que perdio, como era predecible, premios que merece como mejor guion (cabeza a cabeza con los Coen, para mi), mejor direccion (de nuevo) y algun otro rubro. El tio Oscar va por lo convencional.

Pero el gran perdedor de la noche, claro, fue Avatar. Noche triunfal para las ex: Cameron, la tenes adentro! bastante inesperada eleccion del hurt locker, aunque, pensandolo sin la maquinaria mediatica bombeando a avatar por detras, al ser el oscar un premio tan politico, correspondia que se lo dieran a una pelicula pacifista (es decir, politicamente correcta) pero realista, aspera, y no a una fantasia con aliencitos azules y mitologias y drama drama drama. Ademas (gran paradoja, siendo la meca de la rimbombancia y la ficcion) Hollywood siempre premio al realismo por sobre la fantasia.

De todos modos Avatar tenia todo para ganar, oscarianamiente hablando. Porque sabemos que Hollywood se devora estas pelis. Pero la decision es probable que haya pasado por ahi: entre dos peliculas de guerra, la epica-fantastica, si bien pacifista, termina reforzando algun que otro concepto imperialista-belico; no asi The Hurt Locker.

Lo interesante entonces en este duelo entre enfoques de la guerra es, justamente como empezamos señalando al inicio, la batalla de los sexos: The Hurt Locker es una pelicula que condena el funcionar falico que lleva a la guerra y su adiccion, ese machismo del sargento James alegorico del modo de ser humano-masculino, del paradigma humano que lleva a que el mas pija sea el mas mejor (genialmente expresado en los problemas “psicologicos” –no quiere morirse- de Eldridge). Avatar es puro genero, y como todo genero trae aparejada los modos sociales que lo forjaron: la guerra, idealmente (no politicamente) se sustenta en esta sociedad patriarcal; la estetica de la guerra, el genero belico y su hijo, el genero fantastico, no puede evitar sustentarse en lo mismo, a pesar de intentar en todo momento ser una pelicula que hable de la autodestruccion humana, una pelicula ecologista y pacifista. El mensaje mucho mas realista de HL termina siendo mas profundo y rupturalista que la critica de corte mas convencional de Avatar. Y el resultado es que HL trauma.

Para las mujeres, en su dia, bien merecido este primer Oscar a director entregado a una chica.

Fantasias inofensivas (de la extravagancia, su comercializacion y su atrofiamiento)

2010-03-06T00:11:00.000-08:00

Terry Gilliam. Siempre apuesta a la locura y la imaginacion como vias de desestructurar la realidad felizmente. A menudo esa locura irrumpe en la forma, desestructurandola tambien. A menudo tambien estos cantos a la imaginacion son elegias, cantos de cisne de la agonizante fantasia. La mentira, la ficcion, es vehiculo a la vez de la redencion y la agonia, un escape de la realidad con una realidad siempre presente y triunfante. Sus peliculas mas felices proponen un triunfo de la ficcion (Munchausen, Grimm); las mas tristes, la imposicion de la realidad (Brazil, Tideland). Es una batalla representada en su ultima obra, El Imaginario del Dr. Parnassus.

Esperada por muchos como un fetiche (la ultima de Ledger, tan loca que a pesar de su muerto se continuo con otros actores sin cambiar el guion) la pelicula no pasa de la fetichizacion de la rareza. La extrañeza no es genuina sino que simplemente es una referencia a la extrañeza que el espectador espera que tenga el filme, una rareza superficial, colorinche y complicada. No es un filme ambiguo en el sentido en que se debaten dos fuerzas morales (si algo queda claro es la bajada de linea de la pelicula, aclarada forzadamente en esa escena final atadora de todo cabo suelto) sino simplemente porque nos sumimos en la confusion durante gran parte del filme, y esa extrañeza nos aleja de los personajes. Este distanciamiento lleva a que el final “climatico” arribe sin sentido alguno, sin importancia alguno, como otra secuencia mas de una pelicula descentrada. Para colmo, esa escena misma es toda parte del mundo ficticio dentro de la pelicula, lo cual aumenta el distanciamiento: al resolverse los conflictos en el mundo de los sueños, queda la sensacion de ser una resolucion impostada, falsa, traida por el autor para resolver sus problemas de guion. Como resolver toda una historia a traves de un sueño que le cuenta como eran las cosas realmente al protagonista. Su fantastica trama (porque la trama es genial) y muchos de los aciertos de la puesta de escena (todo lo que es artesanal) llamaban a la extrañeza, claro que si, pero la extrañeza se vuelve esteril, se disuelve en esa confusion digital: no es lo mismo ser raro que ser confuso (eso es simplemente descentramiento) o que ser colorinche y torcido (eso es simplemente extravangancia).

La pelicula continua su distanciamiento formal, en lugar de encantarnos con su extrañeza: la berretez de las frias fromas digitales del mundo espejo, bien salvapantallas, nos hace extrañar las puestas en escena bien barrocas y artesanales de todo el resto de su filmografia. Se trata de una puesta se cree imaginativa pero en todo momento es un plagio colorinche y barato de Tim Burton (a quien tambien, como veremos luego, le queda mejor la artesanalidad que la espectacularidad fria del digital).

Se desperdicia asi no solo una gran historia como es el duelo de Tom Waits (genial siempre) y Parnassus (Chesterton denunciaria a Gilliam por el despilfarro) sino el planteo mismo del film, teoricamente rupturalista en su festejo del irrealismo, que queda esteril: porque la imaginacion, asi, hecha a medida de una audiencia pasiva, no logra desestructurar nada, cumpliendo la peor y tristisima profecia de la pelicula al darse, una vez mas, la constante derrota de los sueños en manos de la suciedad social.

Pero ya es tiempo de decirlo: si alguien ha hecho punta en esto de mercantilizar lo freak, lo extravagante, no es el pobre Terry, cuyos ultimos filmes –Tideland (arriesgadisima y brillante obra hipnotica y terrorifica, quizas su mejor pelicula y genuina en su horrenda extrañeza), Los Hermanos Grimm(curiosamente, los Grimm es un film mas convencional pero mucho mas redondo y perfecto que este ultimo intento pretencioso y marquetinero)- no fueron justamente un exito de taquilla.

Es el señor Tim Burton.

Con Big Fish ya algo olia mal (el pescado). Habia logrado adaptar su vision oscura y torcida del mundo a algo maravillosamente feliz.

La adaptacion de La fabrica de chocolates confirmo que era un genio cineasta, pero tambien confirmo que habia encontrado su mercado: sus historias no eran mas cosa rara, no denunciaban mas la otredad. Eran ahora cuentos totalmente convencionales, de triunfos y crecimientos, bien Disney, con detalles bien Burton, raritos. Eran la adaptacion de su cine a las masas. No se trata sino de una observacion: el humor burtoniano, esa sequedad, mantiene una distancia mayor que la que tienen los escritores clasicos de Disney. Pero para demostrar cuanto se habia acercado, justamente, Burton a “la onda Disney”... no hace falta sino saber que su ultima obra la encargo el mismisimo Walt (dicen).

El cine presentaba cola de media hora para sacar entradas antes de abrir, y a la noche estaban, obviamente, agotadas. Cine lleno, gran expectativa. Inclusive aplausos cuando aparece Johnny Depp (su rol mas desdibujado y, en tono a la obra de Burton, simplemente autorreferencial de sus “quirks”, sus rarezas tipicas).

Todos se van contentos del cine, pero la pelicula algo defrauda, a varios. Que pasa?

Falta delirio, falta genialidad, falta berretez y desviacion, falta oscuridad. Sobra bajada de linea emotiva y demasiada produccion, demasiada “seriedad”, sobre todo para una historia (otra vez denuncia Chesterton) originalmente subversiva justamente por cierta anarquia de contenido y sentido.

Los detalles del director siguen vigentes (geniales las reinas) pero en muchos sitios, inclusive, tambien pierde fuerza (el diseño de varios personajes y escenarios es altamente convencional o, a lo sumo, simplemente copiado del viejo Burton que todos esperan, referencial de su obra pasada). Y detras de esa superficie cuidadamente burtoniana, aumentada por el digital hasta el preciosismo barato (otra vez, salvapantallas), se esconde la misma historia de siempre, con los mismos aprendizajes morales, los finales climaticos y esa musica incidental insoportable de pelicula de Hallmark (han cooptado a Danny Elfman tambien)

Tim Burton pierde su muchness: deja de ser un raro de corazon para ser un extravagante, un tipo con algunas cosas raras, pero, a la larga, capaz de producir una fabula fantastica absolutamente convencional, muy a tono con lo que pide el mercado. Dragones, grandeza digital en cada escena y, claro, batallas espectaculares y climaticas para desplegar la maquinaria computacional al mango y que los anteojos 3D cumplan mas que su funcion meramente estetica. Del 3D dador de vida de la artesanal Jack saltamos a este 3D totalmente digital y esteril de Alicia.

Pero los cines se llenan: Disney lo logra. Entra al mercado freak, tan en boga hoy en dia. Es la peor pesadilla de Burton, del viejo, del que dirigio Ed Wood.

(Prometemos proximamente un especial menos ortiva con buenos estrenos del genero fantastico)

Jerome David Salinger (1919-2010) “Murio el escritor que nos hizo felices”

2010-01-29T05:56:00.000-08:00

Leo el titulo de la nota del Critica dedicada a la vida y muerte de JD Salinger (fallecio ayer 28 de enero a los 91 años) y se me escapa una sonrisa un poco melancolica: Salinger me hizo feliz, con sus historias asperas y criticas por fuera y tan tiernas y calidas por dentro, en esas tardes de pibe sin nada para hacer. Esa escritura tan pura, tan esencial, me mato, como diria Holden. El affaire duro: despues del Catcher, imposible no seguir leyendo; despues de los cuentos, imposible no quedar cautivado, enamorado de ese estilo personalisimo, por diferente pero sobre todo por intimo, por la relacion que establecia con el lector, su confidente.
Toda una generacion de artistas sucumbio a sus encantos, a la gracia natural, a la fluidez y la simpatia de su prosa, envidia de todo aquel que quiso escribir, a su manejo del dialogo coloquial, que magicamente no envejece a pesar de estar atado a las convenciones de su tiempo, a su humor a la vez neoyorquino y personalisimo (habria que ver quien tuvo mayor influencia sobre quien). Pero el fanatismo devino en mito y el mito se redujo a una sola cosa: su turbulenta vida privada, sus fobias, la reclusion, las biografias, en fin. Ojala encuentre ahora, finalmente, la paz que busco en el encierro.
Y quizas hoy, al fin, sea el momento de olvidar el mito del ermitaño y volver a la literatura, al inmenso goce de esa desestimada obra maestra que es The Catcher in the Rye, y al resto de sus textos, aun no descubiertos por gran parte del lectorado, donde se esconde lo mejor, un vuelo literario supremo, una saga familiar brillante y siempre, esa felicidad primigenia de todo lo tocado por la maquina de escribir magica de Salinger.

Las peliculas de las vacaciones COUNTDOWN!

2010-01-21T01:02:00.001-08:00

Primer post posta del año.

La fobia al sol de algunos y lluvias desafortunadas en el caso de otros llevaron a este trio a la reclusion durante las vacaciones. Al reves que sus acompañantes tomamos el imprevisto con buen humor y hasta cierta alegria: en lugar de mar, arena, tejo y demas, se presentaban las vacaciones practimente de los sueños, en las cuales se podian ver sin parar peliculas y peliculas sin culpa o acusacion de los demas miembros de la familia. Maravilloso!

De la parva de peliculas que vimos, algunas buenas, muchas malas, aca, a modo de ranking, recomendamos lo mejorcito (y tambien lo mas novedoso: B. se clavo a ver Hitchcock otra vez pero eso no lo vamos a andar recomendando). Aca va!

PUESTO NUMERO 10 - The invention of lying (vista por C.)

Amo a Ricky Gervais y por eso no puedo dejar de recomendar esta pelicula. Pero debo advertir tambien que falta esa fatal desesperacion de la obra anterior del comico, y si bien la semilla del patetismo humano esta sembrada (despues de todo, lo bueno y feliz es falso en esta pelicula), el tono general es relajado y el final es happy. El genio malvado de Gervais asoma pero nada mas, aunque hay que admitirlo, los detallecitos de este mundo paralelo donde no se puede mentir son prueba de la inteligencia de un tipo que con un par de sutilezas deja entever un oceano de insatisfaccion y soledad.

PUESTO NUMERO 9 - The Men Who Stare at Goats (vista por C.)

La esperada pelicula protagonizada por Clooney y Ewan McGregor no esta tan buena como pintaba, pero es muy graciosa igual. Sobre todo en la primera mitad, y hay que verla sin dudas. Es la peli que trata de los superguerreros yanquis o guerreros jedi, criados en el ejercito para pelear... con sus mentes. Un disparate atras de otro, aunque sin el vuelo disparatado que su servidor esperaba.

PUESTO NUMERO 8 - Invictus (vista por A.)

Esta si que la queria ver. Clint Eastwood y films de deportes, dos cuestiones que nos enloquecen: no podia fallar. Pero termina siendo un filme politico (y algo politicamente correcto) sobre Mandela, donde Mandela sufre un proceso de solemnizacion que lo hace un ser demasiado perfecto. Encima, apenas hay rugby, y no hay nada de entrenamiento sudoroso. Extrañamos la fiereza de Gran Torino, pero no deja de ser una gran pelicula de esas testimoniales triunfantes que le gustan a mi amigo Tuli, que no cae en discursos rimbombantes ni aparecen banderitas estadounidenses.

PUESTO NUMERO 7 - Extract (vista por B.)

Una media sorpresa. Mike Judge es el director de Office Space y Idiocracy, dos comedias geniales y sencillas. Aca tenemos otra comedia sencilla, bien de cable o de pasar el rato, con una Mila Kunis comestible y un buen elenco de comediantes (el solicitado Jason Bateman, surgido de ese semillero de comediantes que termino siendo la mejor serie comica desde Seinfeld, Arrested Development). Trata de un tipo rico pero aburrido y que no la pone, otro tipo que pierde los huevos y una mina aprovechadora que quiere estafarlos. Mike Judge sabe como hacerlas.

PUESTO NUMERO 6 - Whip it (vista por B.)

Como no hubo rugby en Invictus y un libro de Rocky (bueno, no era de Rocky, sino de Stallone, pero era casi igual a Rocky) me dio alergia con su polvo de decadas de no ser leido, no tuve ni un apice de la cuota deportivo/epica que necesito para vivir. Para colmo de vacaciones fui con mi novia, ergo nada de fulbito (apenas un accidentado viaje para ver un amistoso que termino empatado). Y entonces llego esta pelicula sobre chicas que hacen rollerderby con su camaraderia seudopunk y bueno, me pudo. No es la gran cosa, otra para cable (queda claro que "pelicula para cable" es una categoria, un tipo de pelicula), pero deliciosamente disfrutable. Rollerderby es un deporte donde dan vueltas en patines y se van pasando y no te dejan pasar y te pegan. Asi que aca si vemos entrenamientos, golpes y moretones, y un grupo de chicas orgullosas de estar hechas pelota. Una peli algo punk, pero de ese punk algo comercial de ahora, con valiosas lecciones de vida. Es el debut como directora de Drew Barrymore y la peli es un reflejo de ella, o de lo que creemos que es ella.

PUESTO NUMERO 5 - The Limits of Control (vista por A., B. y C.)

Esta la vimos todos, porque somos todos jarmuscheros. La pelicula mas presuntuosa de Jarmusch es a la vez la obra de arte pura: un thriller donde practicamente no hay referente, sino simplemente simbolos que toman valor por su relacion entre si: una cajita de fosforos, una guitarra, un par de lineas espectacularmente elegidas y con eso se genera un clima extrañisimo y algo asfixiante de suspenso. Una pelicula sin explicaciones ni razones, puro genero, donde con este puñado de elementos le alcanza al director para atraparnos en una busqueda que desconocemos. Imagenes encantadoras de los sentidos se suceden en este experimento intelectual (en un sentido bueno y malo) que se transforma en una tesis sobre el cine mas que en una pelicula.

PUESTO NUMERO 4 - Up in the air (vista por A., B. y C.)

Si, la de Clooney, la de los Globo de Oro, la que tradujeron terriblemente como Amor sin barreras. Y bue. Gran pelicula (no tanto un comedia romantica) sobre un tipo que vive de despedir gente que sus jefes no quieren echar, y por su laburo vive de viaje. Y le gusta la vida de soltero y todo eso, vivir solo, los hoteles, en fin, la soledad. Pero conoce a una... que digo una, a dos chicas! Que lo sacan de su modorra zen. Un Clooney melancolico demuestra por que funciona tan bien como canchero (atras de la mascara hay algo, una tristeza que sale a flote aca; acierto de Reitman, el de Juno, pero mejor aun, el de Thank you for smoking). Aprendera, claro, valiosas lecciones de vida, pero lo genial de la pelicula es que su resolucion es acorde a su tono descreido, y las epifanias llegan siempre, demasiado tarde.

PUESTO NUMERO 3 - The boat that rocked (vista por B. y C.)

De las esperadas, ninguna fue tan buena como esta pelicula, puro rocanrol. Radios pirata que pasan rock todo el dia desde un barco (porque era ilegal; o sea, son piratas piratas) y la gente que quiere censurarlos aunque todo Reino Unido los sintoniza. Claro que el barco es una fiesta y los conductores de los programas son unos genios de la vida, claro que reina la camaraderia y felicidad. Pero eso es solo el principio: esta pelicula coral construye a sus caricaturas de modo extremadamente humano, fragil, y su fuerza proviene de ese vinculo rocanrolero que los hace suicidas indestructibles: de esa predisposicion y, claro, dado que son un dedo en la cola para los ejecutivos de turno, surgen momentos epicos y una gran, gran banda sonora.

PUESTO NUMERO 2 - The fantastic Mr Fox (vista por B. y C.)

Wes Anderson y stop motion: dos a quererse. Nuestro querido aunque algo agotado Wes es un esteta de sus filmes, o mejor, un diseñador, idea que se asemeja mas al distanciamiento con que trata sus tomas. El stop motion, entonces, le cae como anillo al dedo a un artesano del cine que odia la improvisacion. El film en si? Hermosa fabula tomada de una obra de Roald Dahl (el de Willy Wonka) cuya moraleja es que... robar es genial! Todos los sellos de autor de Wes Anderson estan aca, pero de alguna manera, sera quizas porque esta pelicula representa un distanciamento fuerte de su obra precedente, se renuevan (ya era hora!): la musicalizacion, los capitulos, los decorados, todo encuentra aca su razon de ser mas alla de ser la marca de Wes. Para chicos? para grandes? Si hay que preguntar, es que es buena pelicula. Grandes personajes, hermosa visualmente y... Clooney! La voz del mas canchero de los zorros la hace el mas canchero de los hombres.

PUESTO NUMERO 1 - A serious man (vista por A., B. y C.)

La mejor hasta el momento es la nueva de los Coen. Se habla de que es una vuelta a algo mas personal y es facil ver lo biografico (trascurre en el pueblo y la epoca donde los hermanos crecieron), pero a nosotros no nos conforma la idea: en esta historia sobre un hombre abatido sin cesar por mil tragedias, sobre la fe, la perdida de la fe y la irremediable incapacidad del ser humano de elegir bien (por algo se trata de una obra ciclica de la historia paralela de padre e hijo y sus decisiones que se repiten, cegadas por la situacion y la ignorancia), en esta pelicula vemos una profundizacion, simplemente, de los motivos que aparecen en otras peliculas coenianas. Un prologo abre el film: la critica lo ha declarado inconexo, una gran broma, y puede serlo, pero tambien puede estar dando la pauta de hasta donde las interpretaciones de los designios la divinidad impiden ver la realidad. Una pelicula casi mobydickeana de un hombre que busca ser un tipo responsable (a serious man) pero esta condenado a fallar por su flaqueza humana. Gran, gran, gran pelicula que resignifica, el unico tema practicamentede su banda sonora, el hitazo de Jefferson Airplane, Somebody to love.

Les dejamos el clip para que se copen cantando con los auriculares puestos

Ah! Para la proxima vamos a decir alguna cosa de Avatar o Sherlock Holmes, que vimos en los cines ultimamente.

vacaciones!

2010-01-01T00:54:00.000-08:00

Nos vamos de vacaciones

Si, no cumplimos ni media promesa de postear. Nos colgamos. Volveremos a la virtualidad, primero con una serie de posts muy flu flu, como diria el doctor Bilardo, y despues Eywa mediante volvera la vieja modalidad. Veremos si la vida nos permite ese vicio maravilloso que es una noche de peliculas entre amigos.

SABADO TEMATICO! Los virus atacan a la humanidad

2009-10-28T16:10:00.000-07:00

Shaun of the dead, de Edgar Wright y Simon Pegg

ZOMBIE CITY, por B.

PARODIA

Shaun of the dead, pe`azo de film. Vertigo, comedia fina, comedia gruesa, aventuras epicas. Epicas? Pero si salta a la vista que Shaun of the dead (Muertos de Risa) es una parodia... como logra ser epica una parodia?

Es cierto, SOTD es antes que nada una comedia parodica. Sin embargo, no transita el camino cinico habitual en las parodias, sino que lo suyo es mas bien un carnaval, una celebracion: para envidia de toda una nueva generacion que busca algo entre parodia y homenaje (que no sea la fria referencia), algo con el ingenio de una y la emotividad de la otra, esta pelicula lo consigue. Sin proponerselo, suponemos al ver a los talentosos descerebrados detras de esta joyita, dominados por un amor profundo al cine de genero pero sumandole el humor propio de gente que no se toma en serio su amor por los films de genero… ni a ellos mismos.

Entonces, el film toma el cine de zombies, las historias de superacion, las comedias y los triangulos amorosos y los mete en la habitual licuadora, pero no sale uno de esos productos descentrados cuyo valor es el disfrute hedonista, porque la estructura del film, si bien en clave parodica, es notablemente clasica: una historia de un tipo que tiene que recuperar su amor perdido porque el mismo se ha perdido. Una historia de un tipo que tiene que encontrarse. Y hay zombies, bueno.

COMEDIA

Pero al no tomarse en serio, desde ya que no alcanza el nivel de emotividad de, digamos, Exterminio, donde la superacion de los obstaculos supone un momento de paz bien ganado, tambien para el espectador, que puede relajarse (aunque nunca del todo): aqui los obstaculos constituyen un goce para el espectador, algo comico y exagerado que sera siempre resuelto a traves de la comedia. La sensacion de alivio y crecimiento despues de cada ataque zombie que el protagonista refleja a traves de la pantalla no es la misma que la que refleja el protagonista de Exterminio, donde cada batalla es tensionante para la audiencia y por ende esta sabe lo que significo superarla.

Pero esta disminucion epica, acorde a los tiempos que corren, no implica que la obra pierda profundidad. Porque, al fin y al cabo, se trata de una comedia, llamada a ser no epica sino corrosiva. La comedia es esa distancia perfecta que permite ver las miserias sin caer en la (auto)conmiseración. Desde esa distancia la pelicula corroe a la humanidad pero salva al cine: las críticas dirigidas constantemente a una sociedad que ya era zombie antes de la caida se contrastan con el constante homenaje al cine de aventuras, al cine de zombies, al cine de amor, a Queen, al humor, en fin. Los hombres, en cambio, son parodiados, sin piedad ninguna, mostrados como cobardes e inutiles adictos a la television. Shaun es uno de esos hombres, y el rompimiento de la parodia como unico modo de vida (cinica e improductiva) tambien se rompe en el, o mejor dicho, porque se rompe en el es que la pelicula funciona tan bien: es organica. Shaun es en principio uno de estos hombres-parodia, pero despierta al mundo de los valores clasicos, del esfuerzo, de la valentia, de lo que vale la pena. Despierta de ese mundo zombie del consumo y la rutina, a... otro mundo zombie. Alli luchara por su supervivencia, y tambien por su vivencia, como en toda pelicula clasica de superacion... pero con zombies.

VIOLENCIA

La violencia en el cine es un tema controversial, se sabe. Que los pibes tiran tiros porque vieron Rambo, que se cagan a trompadas después de ver Rocky (Stallone sos un genio). Y los noticierons y los jóvenes que toman grog, toda la bola. En general son estupideces que sirven de excusas para explicar problemas mucho mas profundos. A veces, sobre todo con la movida de filmes como Saw, con su violento regocijo que es éxito masivo, nos hace cuestionarnos acerca de nuestra morbosidad como espectadores y de la manipulación de las imágenes y sus efectos.

En SOTD hay violencia, claro. Grotesca, comica, bien exagerada y bien sangrienta, de esa que provoca risas nerviosas, de disfrute y tension, esa que hace que le agarres la mano al que te acompaño al cine. Lejos esta, claro, de producir una horda de asaltantes con acne y palos de pool. Pero lo realmente interesante es la existencia justificada de la violencia en el film: estetizada, pero no puramente para regocijo estetico. La violencia es un despertador, saca del atontamiento a todo un grupo mas bien patetico de personas, los sacude. Tambien, claro, los solidariza, los agrupa: la violencia vuelve a tener esa significación clasica, del cine epico, donde la lucha significaba crecimiento, coraje, y demas. Esta claro que no se puede escribir una película epica hoy sin revisar estos preceptos o ser tremendamente ingenuos: SOTD elige la primera opcion, distorsionando todo el legado clasico, pero sin faltarle el respeto nunca.

Por supuesto que el filme es mucho mas que esta descentrada disquisicion intelectualoide. Es una situacion desternillante atras de otra. Es un uso excelente del leit motif (frase recurrente) para mostrar, a lo largo del filme, el cambio, el crecimiento, en el protagonista. Es una escena indescriptible que involucra palos de pool y el temon de Queen, Dont Stop me Now (banda que recien ahora el cine comienza a utilizar). Es la perfeccion organica de la estructura y los elementos alineados hacia un objetivo. Bah, veanla si no la vieron, y si la vieron vuelvan a verla.

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Virus, de Kinji Fukasaku

LA ANTARTICA DE NOE, por A.

Despues de este despliegue de embolante cerebralidad para hablar de una comedia, pasemos ahora al regocijo de hablar de una mala pelicula con emocion. Porque Virus es una película mala, malisima, cuyo disfrute y status de culto actual residen simplemente en el hecho de que ha pasado el tiempo, la película fue un fracaso enorme y todo eso la reviste de cierta poetizacion que permite soslayar los gruesos horrores para concentrarnos en la potencia de este tanque epico de 3 horas, el film mas caro en la historia de Japon. Virus es una película mala, pero dignamente mala, honesta en su mensaje pacifista y en sus nobles intenciones, y con una fuerza tremenda, que apela a nuestra sensibilidad. Es una de esas peliculas que deberian pasar en el cable, con sus actores requetebuenos y caballeros, trilladisimos, con ese piano de musica incidental totalmente romantico-cursi.

Entonces seamos honestos: Virus es una película mala. Pero dignamente mala, y con una fuerza tremenda, para ponernos de rodillas con su tragedia, la tragedia de la humanidad, con su drama. El guion es la mejor combinación posible del mejor y peor folletin pulp de ciencia ficcion, de las mejores novelas del genero y de las peores, en fin, es la obra suprema del genero. Los seres humanos sufren primero de un devastador virus que ataca a toda la humanidad para salvar solamente a los pocos habitantes de la Antartida; su desdicha apenas ha comenzado: se enfrentan a los problemas cotidianos de ser solos en un mundo devastado, tienen que recorrer largos kilómetros antarticos para encontrarse, no saben como va a prosperar y reproducirse la raza humana con 8 mujeres, en fin. Después de todo esto, para el gran final hay diversas bombas atomicas que acaban con destruir el legado final de la humanidad, en fin. Una película totalmente desoladora como los paisajes que filma, de una belleza extraordinaria. Virus es una película mainstream en la que el autor intenta transmitir con bombos y platillos sus ideas acerca de una humanidad patetica, y al hacerlo arma su propio arca de Noe en la zona mas austral de la tierra, este grupo de hombres y 8 mujeres que quieren comenzar una nueva civilización, una nueva humanidad, y para hacerlo han de replantear la propia base de la sociedad. Todo, sin embargo, se mueve a un tempo lento, relajado, cotidiano, casi burocaratico, donde el heroísmo se anuncia en terminos mas humanos que epicos: la sencillez de Fukasaku es la de un japones tradicional. Alli, en sus personajes cotidianos, para nada caricaturizados como pasa hoy en dia con el cine catastrofe, la película encuentra su corazon: en la nobleza de la sencillez, en el heroísmo cotidiano, en la solidaridad. La capacidad del director, el maestro Fukasaku, para encontrar el drama cotidiano en medio de esta masacre tremenda de la humanidad en manos de todos los males temidos por las mas alarmistas obras-catastrofe unificados en una sola película. Sus personajes son humanos, humanisimos, sufren, y siempre son nobles ante todo, no pierden esa caballerosidad ante el Apocalipsis que se repite y se perpetua: los japoneses, se sabe, consideran el honor y la nobleza los valores mas sagrados.

Virus abruma nuestras emociones como solo los grandes filmes malos, los desvergonzados, pueden hacerlo: con una virulencia arrasadora, mezcla de discursos y silencios grandilocuentes, de una musica incidental super melancolica, de paisajes desoladisimos (sin dudas, los mas desolados hasta la Londres de Exterminio), de 3 horas de catastrofe cataclismica.

Virus es la obra apocaliptica cumbre, porque se trata de un genero siempre recargado, ultraviolento y tragico, cuyo merito reside en esa capacidad de abrumar, de hacer sentir desesperación al espectador. Es la obra maxima porque resume todo el genero y a la vez lo agranda, lo agiganta. Alli nace su culto, en su grandeza. Pero lo cierto es que hoy vemos su grandeza y no su fastuosidad. Vemos su historia, su producción, vemos su fracaso diametralmente opuesto al dinero invertido, vemos su ochentona ingenuidad y su enormidad fukusakiana, y no puede ser sino una obra de culto. Sin embargo, contemporáneamente, esta obra, superpublicitada, estrenada en medio mundo, nos hubiera desilusionado y hubieramos alimentado su fracaso, sin dudas, comentandole a todo el mundo que no pierdan tres horas en un bodrio demasiado ambicioso. Pero la vemos con la mirada de culto, la mirada biografica, y es inevitable que asi sea. Hoy las películas de cine catastrofe son chiquititas, excusas para grandes efectos especiales, guiadas por estrictas reglas: son todas iguales, llegue un huracán, un maremoto o los aliens, todas siguen la formula, abusan del efecto y del sentimentalismo y caen siempre en la moralina. El maestro Fukasaku no: su obra es melodramatica a fondo, pero nunca es impostado el melodrama, nunca es preparado, nunca tiene esos grandes discursos de los enamorados, nunca anuncia el momento de heroísmo, en fin. Su cine y Virus son recargados, pero en el buen sentido, intentando emocionar noblemente. Casi no hay necesidad de efectos especiales ni demasiadas palabras en este drama humano que es Virus.

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Exterminio, de Danny Boyle

LA SINTESIS DEL MICROGENERO, por C.

Todos vieron Exterminio, elegirla estuvo mal. Desglosarla no va a agregar nada a un producto perfecto, calculado hasta en sus emociones (si, no me banco a Danny Boyle).

Si Virus es la suma de todos los elementos apocalipticos (sus diversas tramas, su lado humano, su drama tremendo, sus batallas imposibles, su honesta berretez bien clase B, todo en una sola película) Exterminio funciona como la síntesis perfecta de todo el cine B apocaliptico, zombie y virusero, hecha con espiritu amateur pero con seriedad profesional, desde su guion y desde su puesta austera filmada en digital (acierto: acentua el dramatismo de reality que conduce la película, a pura adrenalina y camara nerviosa, y no pierde belleza, como vemos en esos planos tremendos de la Londres devastada, de lo mejorcito de este cine; desacierto: en este contexto home-made, clavar montajes cancheros a-la-Guy Ritchie… para que?). Exterminio no es otra cosa que un homenaje al cine B, a su ritmo frenetico, a sus zombies, pero, claro, para el mainstream: no hay humor corrosivo ni personajes sino humor melancolico, personas y mucho drama. Se trata de una puesta profesional, calculada, como quedo dicho, que se alimenta de un cine que para ser “serio” y “apto” debe digerir sus contenidos.

Ah, pero es una película maravillosa; perdonen las contradicciones, pero al aspirar a ser seria, gana mucho donde pierde el cine clase B: en intensidad emocional. El cine B es shock y suele ser tan corrosivo que muchas veces las películas mas terrorificas bordean con el humor. Ni hablar de su descerebrada (en el buen sentido y en el malo tambien) version pos-posmoderna. Exterminio logra contar una historia con zombies y catastrofes y tratar el tema con seriedad, entregandonos el documento final, culmine, del genero: la síntesis.

SABADO TEMATICO: Epidemias! LA PREVIA

2009-09-09T15:03:00.000-07:00

Este sabado fue planeado hace añares, con el auge de la gripe A y los ecos del dengue amenazando a la humanidad. Hoy, cuando el furor mediatico se concentra en la relacion anarquizante que existe entre juventud y alcohol, quizas no cause tanta gracia, pero de todas maneras, con todos esos virus salidos de los laboratorios del ejercito (y los que esperan por salir) seguramente no pasara demasiado tiempo hasta que los virus y esta columna vuelvan a estar en onda. Y es que la humanidad esta siempre amenazada, pero no tanto por los virus, como nos enseñan estas peliculas con metafores en general nada sutiles, como por si misma. (Para ver mas cosas que nos enseña este particular subgenero filmico, pueden hacer click en el siguiente enlace: http://www.denofgeek.com/movies/242804/10_things_movies_teach_us_about_virus_outbreaks.html).

La eleccion de las peliculas (cada uno elegia una) fue para todos nosotros muy dificil. Y bueno, nos encariñamos con algunas de las que quedaron afuera, asi que armamos un pequeño top 10 de peliculas epidemicas:

10) Epidemia: la de Petersen es una pelicula algo sosa para su eleccion final pero que trae grandes recuerdos de los dias jovenes frente al cable; un film terriblemente clasico, hasta el aburrimiento, sumiso, pero tambien grande (grandilocuente) y obviamente emotivo, aprovechandose de que el espectador, ante estas estructuras tan clasicas, baja la guardia completamente. Que no suene a critica: es atrapante y muy interesante.

9) The Happening: rarisima, con esos personajes y esos dialogos tan acartonados que no siempre funcionan bien en las pelis del hombre raro de nombre raro. Pero con una trama atrapante, interesante, y con unos lindos climas de cine de terror. A pesar de la luminosidad de su cinematografia.

8) The Crazies: La de George Romero anticipa a la vez Epidemia, en su costado de critica social, y a Exterminio, en cuanto al virus que amenaza. Quizas hubiera sido mas interesante reseñar esta desconocida pelicula de su filmografia que la misma Exterminio, sin embargo no se trata de una de sus mejores peliculas. De todas maneras, amerita verla mucho mas que leer este comentario que no dice nada. Ah! Pronta remake.

7) Epidemic: hace poco nos pasamos un viaje a Capital hablando de Lars Von Trier. Que si que no que sirve que no sirve. Esta pelicula totalmente genial, como no podia ser de otra manera viniendo de un tipo tan inteligente, es a la vez la representacion de todo lo que queda por experimentar en el cine, y todo lo que se puede desperdiciar en nombre de la experimentacion. Una idea brillante, de esas que aparecen a las tres de la mañana en charlas con amigos y despues se olvidan para siempre, mancillada por la igualmente brillante estetica intelectual del director: basicamente se trata de dos escritores escribiendo un guion sobre una epidemia, que empieza de repente a ocurrir alrededor de ellos. Ah, esta peli vamos a reseñarla pronto.

6) Children of men: una sorpresa, donde brillan el gran Clive Owen y el caos. Es como un caramelo para los cinefilos del genero, aunque no ha recibido buenas criticas desde la critica ortodoxa.

5) The Andromeda Strain: clasico. Clasico clasico. ET es una bacTeria. Tambien hay inminentes detonaciones nucleares. Que mas se puede pdir?

4) Soy Leyenda: Excelente pelicula, puro genero y oscurisima, solitarisima, como nos gusta (como veran en las reseñas a ser publicadas... algun dia -mentira, pronto- las mejores escenas de Exterminio son tambien del hombre solo y desesperado)

El top 3 vendria a estar conformado por las peliculas elegidas. Pero en realidad no es asi. En el ranking personal de cada uno, que mas o menos incluye las peliculas arriba citadas, los filmes elegidos por cada uno ocupan o la primera o alguna de las primeras posiciones; pero las otras se meten por el medio o por ahi. Y ahora, viendo de nuevo el ranking que no reseñaremos, nos dan ganas de volver atràs la eleccion, A. llora, quiere escribir sobre Andromeda, en fin, todos nos ponemos un poco triste por la absurda logica que nos impusimos y que ahora nos restringe. En fin. Las elegidas son!

Exterminio

Virus

Shaun of the dead

A. selecciono Extermino (28 days later) de Danny Boyle; B. selecciono "uno de mis favoritos personales": Shaun of the dead; C. selecciono Virus de Kinji Fukasaku, "porque es hora que reseñemos algo de Fukasaku". B., lector compulsivo de literatura contemporanea, agrega que es filme preferido de Oscar Wao.

Menciones de honor para The Stand, cuya miniserie no estuvo a la altura del excelentisimo libro; y para 20th century boys, cuya trilogia aun no nos llega mediante los habituales medios piratas pero que no podia calificar por no ser, puramente, una obra epidemica (sino mas bien una obra que explora absolutamente todos los costados de la ciencia ficcion)

FUTUROS ESTRENOS QUE NOS ENTUSIASMAN

2009-08-03T22:50:00.001-07:00

Bueno, ha pasado un mes desde nuestro ultimo encuentro, mucho tiempo, querido lector unico. No deberiamos a priori excusarnos, pero de todas maneras, con cierta malicia informo el motivo de nuestra prolongada ausencia: la pollera. La pollera, villano poderosisimo, ha raptado a B. y se lo llevo a su morada, algun sitio en el triangulo de las Bermudas.

Lo rescatamos, aunque alli lo hicieron adicto a la pollera asi que asi como hoy esta mañana ya no. En su tiempo con nosotros,decidio relanzar el blog. Asi que hoy inauguramos una nueva seccion: "Futuros estrenos que nos entusiasman". Proximamente se abriran otras nuevas y excitantes secciones,mientras esperamos volver a lo nuestro, nuestras maratones de peliculas y nuestras criticas posteriores.Esperemos que su retorno sea pronto y que no incluyan polleras.

FUTUROS ESTRENOS QUE NOS ENTUSIASMAN

Where the Wild Things Are

Basada en uno de mis libros de la infancia preferidos (junto a Charlotte's Web y algun otro que se me escapa) y con la direccion de Spike Jonze, llega esta peli con un trailer muy prometedor con gran tema de los Arcade Fire. Sale en octubre del 2009.

The Fantastic Mr. Fox

Otra sacada de un libro "para chicos" (nocion que discutimos ya en el blog: despues de todo lo mejor es maravillarse como un nene ante las cosas) de Roald Dahl en este caso (Matilda, Las Brujas, James y el durazno gigante y claro, Charlie y la fabrica de chocolate), y dirigida por Wes Anderson nada mas y nada menos.

The Invention of Lying

Ricky Gervais. Genio. Jonah Hill. Genio. Trailer con Mr Blue Sky de ELO. Tremendamente efectivo (pero no original, robado de Eternal Sunshine;que barbaro lo cool que son los trailers ultimamente, tambien las peliculas, con toda esa musica under o retro o indie). Ejem! No creemos que vaya a ser la mejor pelicula jamas realizada pero sin dudas sera muy pero muy graciosa.

Funny People

Dirigida por el zar de la nueva comedia americana, Judd Apatow.Nuff Said. Nos despedimos con este trailer de peli que ya salio en cines alla en el norte.

Sabado 20/6: Låt den rätte komma in, Coraline, The Strangers

2009-07-03T22:57:00.000-07:00

Introducción: El neogotico
Vaya uno a saber por que motivos (porque hoy por hoy todo es comercializable y lo exitoso parece responder cada vez más a una lógica caprichosa, casi azarosa) el vampirismo ha vuelto a estar de moda. El principal estandarte es sin dudas la saga Crepúsculo, un fenómeno de esos que encanta a la industria, porque no, gracias a su narración directa y a su formato en saga, solo puede vender libros a rabiar, sino que encima puede hacer películas que aunque sean mediocres garantizan ganancia. Detrás de la saga se alinean True Blood, la serie bien HBO de Alan Ball, guionista de American Beauty y creador de otro éxito del canal, Six Feet Under; también otras varias series (Being Human, Blood ties); la remake de la grosa peli de anime Blood: The Last Vampiro (con actores y en EEUU…) y hasta curiosidades, como el libro recientemente publicado por Guillermo Del Toro que es la primera parte de una trilogía sobre vampiros. Claramente, el vampirismo gana terreno.
Mas allá del suceso, hay algo claro en este repaso: desde ese culebron originalísimo que fue Buffy y el advenimiento del anime (Hellsing, tremendamente exitoso, y la estupenda Vampire Hunter son solo exponentes en una vasta tradición de manga/anime góticos, los primeros en explorar y explotar esa veta oscura del mercado joven) se ha abierto la industria cultural hacia estos sectores relacionados claramente con las oscuridades del alma introspectiva de las nuevas juventudes. Y los darks, marginados en los 90s, ocupan hoy un lugar central en la estética y el pensamiento de los jóvenes que, aun sin ser dark, cargan esa herencia de un mundo con menos esperanza y mucha soledad. La misma sensación sentían los atormentados románticos de los siglos XVIII y XIX, que en noches tormentosas escribieron esos manuscritos góticos cuya estética retoma y reformula (con mayor amabilidad y luminosidad) la cultura popular.
Pero claro, siempre que se expone demasiado una temática se corre el riesgo de que canse, de que su impacto se torne soso y las ideas se repitan. Es entendible, entonces, el rasgo de rechazo esnob (a-la-Mirtha Legrand) con que el grupo recibió mi elección, Låt den rätte komma in. Una película sobre vampiros. Sueca. Si, es entendible el prejuicio. Pero cuando las luces se prendieron llovían los aplausos, y entonces con orgullo afirme que yo mismo me iba a encargar de escribir la critica, para empujar a otras almas negadoras a ver esta gran película y obligarlos a reconocer, a regañadientes, mi triunfo. Entonces!

Los Otros
Bueno, como ya fue anotado en la larga introducción, el vampirismo ha pasado a ser terreno exclusivo de adolescentes, y si quienes consumen son jóvenes, también deben serlo los protagonistas, a quienes, en esta reescritura siglo XX de los vampiros, seamos sinceros, les cuadra mucho mejor el papel: hoy el vampiro es un ser atormentado, es otro, un incomprendido; y el adolescente es el incomprendido por excelencia. El film es, ante todo, una buildungsroman, una obra que sigue el crecimiento de dos chicos, rechazados por la sociedad. Solo que la chica es un vampiro. Salvo en términos de trama, sin embargo, eso no es relevante: se utiliza el imaginario vampirico, simplemente, como herramienta para hablar de los jóvenes de hoy, llenos de frustración y violencia, conducidos por la negligencia de sus padres al odio de si mismos y de los demás. En la primera acción de Oskar, el protagonista varón, en la película, el chico esta en su cuarto, frente al espejo, fingiendo acuchillar a alguien. También conoce de esa manera (fingiendo acuchillar a otro mientras acuchilla un árbol) a su contraparte en la otredad, la anémica (porque esta teniendo problemas para conseguir su dosis de sangre) Eli. Luego descubrimos al otro acuchillado: el joven abusador de su grado, si, pero también sus padres, sus maestras, en fin.

Una propuesta original sin dudas, un aprovechamiento muy adecuado de un imaginario totalmente desgastado ya antes de la sobre exposición siglo XXI. Pero el director no se queda con su premisa y va por más. A través del dialogo elige que su filme, lejos de un melodrama trágico, demuestre la parquedad, la dificultad de los chicos para comunicarse. Todos los planos, además de hermosos (sin caer en el preciosismo) apuntan a mostrar la gelidez cultural, una gelidez que se complementa a la perfección con el paisaje nevado, congelado de la Suecia invernal. Otra complementación perfecta. En medio del hielo (como en aquel cuento de Salinger), las pocas palabras que con torpeza y desacierto dicen Eli y Oskar, demasiado encerrados en su timidez y su autocompasión para expresarse, pero demasiado enamorados para no jugársela, derriten todo con su inseguridad y su ternura extrema. Si, esta película es una película absolutamente tierna, lejos de los extremos en que incurren otras expediciones en el vampirismo. La ternura de la pareja protagonista nos deshace una y mil veces; y entonces la película sube la temperatura con sensuales planos de los dos, en tiernos calzoncillos pero deseándose, para luego dormir desnudos. Una película irreverente, atrevida, y sin embargo totalmente clásica, que confía en el poder de la imagen para transmitir en lugar del lenguaje, en lugar de los largos diálogos explicativos que seguramente aparecerán en la remake que preparan desde la costa opuesta. Su atrevimiento parece tener un solo fin, la denuncia de cómo son esa negligencia, restricción e infantilización de los chicos, aislados cada vez mas por una sociedad que no los comprende, la que genera la violencia y frustración que vemos en las generaciones adolescentes de hoy, que vemos en el hermano del abuson en la película.
Y entonces el final. Un abismo, desde ya, separa a nuestros protagonistas. Pero, por que separarlos, culminar el relato como una apología del conformismo? Por que hacer que Oskar y Eli “crezcan” y que eso implique aceptar sus grises e incomprendidas existencias, esos mundos frustrantes que los encierran? La costumbre y el genero nos lleva a creer que el abismo que los separa (ella vampiro, el no) será demasiado, y que los jóvenes tienen que crecer y aceptar a la sociedad que los rechaza de su seno. Pero por que debería esto ser así?
Como en Coraline, la otra maravilla de este sábado, mejor partir: “huir es vivir”.

Con el pie dado por nuestro verborragico amigo C., me toca hablar de una maravilla como Coraline. Dirigida por Henry Selick, el genio detrás de The Nightmare Befote Christmas, basada en un libro de Neil Gaiman, hay que decir que estamos ante una obra maestra. La artesanía en la creación de cada detalle y el mundo desplegado en cada habitación a partir de estos detalles deslumbran: si, se deben al medio, se sabe: en animación stop motion todo es artesanal, todo es una maqueta, pero no es el medio el que decide el nivel de detallismo, sino las ambiciones creativas de Selick las que lo llevan al stop motion. Filmar el mundo significaría, justamente, una restricción en la capacidad de crear (o un presupuesto inmenso para crear todo un juego de imágenes, que a la vez serian falsas: la creación de Selick es, en todo momento, palpable, mas real que los efectos especiales; y a la vez decididamente fabula, imaginación. Porque el filme es una oda a la creación, a la imaginación, no como escape sino como enriquecimiento de la vida. Entonces, el mundo imaginado tiene que ser creado con responsabilidad: no dejándose llevar por las locuras sin límite que permiten los nuevos medios tecnológicos sino encauzándolos hacia el objetivo de uno. Hay cierta nobleza en la elección de Selick.
Volvamos a la película. Podríamos decir que se trata de una fabula a la inversa: los elementos de las fabulas y del imaginario popular, como también las necesidades y traumas de la protagonista, aparecen representado en ese mundo otro. Y al principio el mundo otro es un sueño, pero luego se vuelve pesadilla. Supone esto un alegato contra la imaginación, un fin del relato típico de las obras que tratan sobre el aprendizaje de los adolescentes donde, finalmente, se acepta la imposibilidad de ese mundo imaginario? Decididamente no: hay un juego decididamente ambiguo sobre la valoración del mundo otro (decíamos, una fabula al revés, sin su moraleja), que si bien termina siendo pesadillesco, también nos recuerda en su final su existencia perpetua dentro de Coraline. Pero no solo eso: en otro golpe de ambigüedad, tampoco es comprobable la real existencia del mundo otro, y todo apunta, efectivamente, a su existencia: no es real pero lo es, como el stop motion. La vuelta al mundo real se da con guantes y padres, pero seguirá siendo aquel mundo el mismo mundo gris del que Coralina escapo: porque aquel mundo tiene aventuras, tiene maldad que hay que derrotar, y no trabajos que hay que cumplir. De esa gris existencia escapa Coraline, un film que recuerda a otra obra maestra: Laberinto (también quiero señalar la afiliación del filme a otro muy similar y también artesanal: Sen to Chihiro no Kamikakushi, de Ghibli). También aquel sufrió las dificultades de esta, imposible de ser catalogada: la de Bowie fue un fracaso, la de Selick recibida con dudas sobre si se trataba de una película para chicos. Claro que podríamos durante párrafos escribir sobre, justamente, la infantilización de los niños, que son los primeros en disfrutar lo morboso y lo ambiguo, deslindados de esa corrección política que Holden Caufiled odiaría; y sobre las etiquetas en el cine, como herramientas para ayudar a vender. No tiene, realmente, objeto. Los filmes para chicos son visiones de los adultos sobre que les gusta a los chicos o, peor, sobre como deben ser los chicos. Ellos Irán necesariamente hacia objetos culturales que no los traten de idiotas y que satisfagan su necesidad y su morbo que los adultos les ocultan. Ese morbo que tan bien describió Silvina Ocampo en sus cuentos: los chicos juegan a matar hormigas con lupas, y son ese juego macabro y ese imaginario los que aparece en la película, y que ha asustado a la crítica que tiene que recomendar la película. La película no se afilia al marketing, pero si a la tradición: la obvia referencia es Alicia, pero como dije arriba aparece también todo el imaginario de los chicos, fabulas, mitos y miedos, vueltos perversos. Sale así a relucir ese mundo infantil censurado, que nace de cierta inocencia macabra, de una curiosidad por lo oculto de los chicos. Allí encuentra su belleza arrolladora el filme, al margen de lo que se dice es bello y es infantil y es adecuado y es terrorífico: en ese horror inocente, sin tapujos o filtros de otro tipo (como por ejemplo, la construcción del horror desde el género). Nos da Selick finalmente una lección de cine: como Coraline a través del espejo, Selick atraviesa el cine, las fabulas, las sicologías, las literaturas, las muestra en su esplendor y luego las desnuda como la obra de un genio malvado que eran. Trastocar el status quo, la tradición: eso debería hacer el cine, romper barreras, imaginar. Pero solo pueden hacerlo, parece, los chicos, que todavía no tienen tantos cajoncitos de conceptos donde meter las experiencias.

-Why are they doing this?
-I don’t want you to think about that

Mis dos amigos se han explayado suficiente, y a mi me toca la película menos buena de las tres así que prometo brevedad, sin saber si voy a poder cumplir con mi palabra (ya no lo estoy haciendo).
Voy a ahorrarme el estado de cosas sobre el cine de terror, hoy una vil simplificación del terror viejo, hecho de lo unico que, supusieron los popes, importaba: sangre y un maniatico con un plan. Hostel, la saga Saw, todas apuntan al asco, y lo único valioso es que exponen cierta insensibilidad de nuestra época que necesita de lo extremo para tener sensaciones. Ese cine, como vehiculo de sensaciones, lo unico que hace, parecen decir sus creadores, es intentar generar algo en un espectador cada vez mas a prueba de emociones.
No deja de ser cierto, pero también sus construcciones demasiado básicas y obvias atenúan la verdadera reacción de una audiencia, esa reacción que se da en esos filmes que te tienen pegado al asiento. Pero como en toda la historia reciente del cine yanqui, que nunca aprendió las lecciones del cine oriental de terror que tanto rehace, se busca el susto fácil y no ese vil suspenso, se busca el shock y no el verdadero miedo. Porque digamos la verdad, hace cuanto no ves una peli yanqui que te de miedo?
The Strangers da miedo, en serio. Acá es la promesa de violencia lo que causa pánico, y esa promesa danza durante toda la película sin aspirar a morbosear o estilizar la violencia, ubicándose contra las nuevas corrientes del supuesto terror.
Se ha apuntado su filiación a este cine nuevo de terror, sin embargo, a causa de su falta de premisas y desarrollo. Pero esta operación no es la misma que la que hacen desde el nuevo cine: en aquellas todo se condensa para ir hacia “lo que importa, lo que vende”, el shock violento; acá todo se condensa y se elide en la búsqueda de una tensión clásica. La construcción del relato y de la tensión es el aspecto mas cuidado, de allí su economía (no de la imperiosa necesidad de mostrar lo menos posible antes del esperado gorefest): por ello, si bien inevitablemente toma cuestiones del nuevo terror, no es un filme gore sino más bien de suspenso clásico.

La violencia esta prácticamente elidida, el regocijo no pasa por ver como se retuerce una mandíbula sino por como nos retorcemos nosotros ante el inevitable fin de los protagonistas, que se retarda y se retarda. Sin embargo, los retardos no son artificiales, como suelen serlo en el nuevo terror (por ejemplo, el aparato que en 5 minutos te saca la mandíbula): no se pierde tiempo en explicaciones, en diálogos, en nada: todo se da por sobreentendido salvo lo relevante (en un acto de confianza en la audiencia poco común en el cine comercial). Y esa elipsis casi total sirve para que el espectador viva esa confusión terrible de no saber que pasa, y no sea tranquilizado con explicaciones. Sin explicaciones pero sin buscar el golpe bajo, sin perder el tiempo en explicaciones pero sin tratar de ganarle al tiempo llenando la pantalla de sangre y sustos: así se construye el filme, cuidadosamente, ladrillo por ladrillo. Por su economía y su confianza en el genero, se trata de un film que es puro genero, y no puro antigenero, como es esta ultima versión del miedo que nos viene llegando, desde el ascenso del cine B a primera A.
Nota al pie: No es un producto perfecto. Pero mas allá de algunos sustos fáciles y de esa frase del final (“la próxima será mas fácil”) que hace algo menos implícito el acierto de que todo sea elíptico, toda explicación borrada, mas allá de algunos mínimos desaciertos, el filme es muy bueno, por la tensión que alcanza, en su dramatismo sin recurrir a la grandilocuencia, en su terrorífico minimalismo: con apenas tres mascaras y una casa rodeada genera terror, con apenas dos anillos y cero diálogos genera empatia, amor, y un cierre perfecto al asalto que sufre la desencontrada pareja.

PD final: hubo algunos desencuentros las semanas que pasaron, por ello recien hoy subimos las películas que vimos hace dos semanas. La que viene, sabado tematico! Stay tuned.

Sábado 6/6: Historias extraordinarias, Blood simple, Daytrippers

2009-06-15T01:37:00.000-07:00

Numerosas pero poco interesantes circunstancias evitaron que pudiera ver esta película antes. Y cuando tanto se espera algo, y se comenta y se lee, uno teme un desgaste que usualmente ocurre. Pero cuatro horas después de empezada la película (es decir, sobre el final de esta obra maestra de 240 y pico minutos) tuve un momento en el que me distancie un poco del placer puro que estaba sintiendo y me di cuenta de que era cierto: Historias Extraordinarias es una película extraordinaria. Un clásico instantáneo pero a la vez una ruptura absoluta a lo que nos tiene acostumbrados el cine local y también el de afuera; una película desaforadamente clásica, pero absolutamente vanguardista a la vez. El furioso retorno a la narración pura.

En las orillas

Para aquellos que no ven cine argentino por decreto: el cine argentino no es un tipo de película, es una variedad de tipos de películas de una región. El espectro no es generalmente muy variado, va desde Campanella a Trapero (pasando por Francella y otros entretenimientos televisivos) en un intento (generalmente fallido) de hacer cine de masas o critica social; pero de vez en cuando aparecen filmes que se salen del espectro (y también del circuito comercial, o al menos, caminan por la cornisa durante una larga semana, el tiempo que se les da en pantalla) que resultan muy valiosos, obras de una lucidez y de una vitalidad importantísimas.
HE es una película que se salio totalmente del espectro y del circuito. Aquellos que hayan llegado a ella seguramente sabrán como se hizo esta película, sin el apoyo del Incaa, a pulmón, con demasiado poco dinero; lo cual contrasta absolutamente con los recursos utilizados en las películas (leones, tanques, viajes a África y un largo larguísimo etcétera). Pero estos datos biográficos no son realmente relevantes; si es relevante su carácter de película orillera, de película marginal, al borde del sistema, pues de esta manera solamente pudo alcanzar su duración, justificada y que en absoluto atenta contra la obra (yo hubiese seguido unas horas mas), pero que dentro del Incaa, como ha sido subrayado ya muchas veces, jamás podría haber alcanzado. El margen, además, le insufla cierta vitalidad a la película, el esfuerzo del equipo se respira en la película, en su carácter artesanal, y el esfuerzo termina produciendo, lejos de todo pronostico, una película independiente y larguisima pero lejos de la desprolijidad, de la improvisación.

Clásica y moderna

Pero el filme no obedece tampoco a los cánones de una película indie. No es una película intimista, o denuncia una realidad social; es básicamente una película de aventuras, que atraviesa en sus 18 episodios todos los géneros clásicos (hasta el bélico). Es una película clásica, pero no como gesto retro o paródico: reescribe los géneros que todos amamos en nuestra mas inocente infancia, los actualiza. Y entonces la acción nos pasea por la provincia de Buenos Aires, sus pueblitos y sus ríos, y no por Egipto o Zambia, o Londres o Paris. Una provincia aparentemente chata y desértica: pero en ese desierto se ocultan las más extraordinarias historias.
Las filiaciones literarias han sido recorridas en diversos artículos, algo entendible dado su modo de narrar (esta en su totalidad contada por una voz en off, que describe lo que vemos, anticipándose a veces, un modo muy interesante de generar tensión, y también lo que es importante saber; un narrador omnisciente que todo lo sabe). El mismo Llinas nos dice que intento recrear las novelas del siglo XIX. Y no Dickens, su determinismo y la sociedad industrial, sino Stevenson, Salgari, Dumas, esas novelas por entregas que llegaban con aventuras de los mas recónditos lugares. En este sentido, sin dudas, recuerda al orillero por excelencia: Borges, que sin nunca caer en el pintoresquismo local o en el naturalismo, hizo una obra absolutamente argentina. En su calidad de autor de los márgenes, como Llinas, se apropio de las tradiciones literarias anárquicamente, para construir un relato puro, autorreferencial, un juego narrativo de goce puro, sin distracciones. Llinas se ahorra pasados y sicologismos, inclusive elide casi todo dialogo; lo que importa es la trama, su construcción paciente y perfecta. Llinas, como Borges, crea sin camellos en su Coran, sin obeliscos, marchas, sin subtes y mendigos, y su cine es mas argentino que cualquier cine de protesta social y programa antiimperialista (por siempre dependientes de cierta corriente europea del cine). Es un cine que solo puede hacerse a orillas del mundo, en un país que todavía no tiene una tradición y por ende es libre de crearse reescribiendo géneros, adaptándolos anárquicamente, sin el peso de las influencias, sin pudores, tomando las influencias no como una carga, pues en este país no hay tradición fílmica realmente, sino como meras herramientas sin su lastre ideológico: desde allí construir una tradición sin discriminar a partir de ideas ajenas, con todo lo que llegue en barcos y aviones. Parece ser ese el intento de Llinas, crear una tradición donde solo había herencia europea y dependencia yanqui, sin descartar géneros por todos descartados, superados o repudiados o rescatados pero en retrospectiva, a modo de homenaje.

Civilización y barbarie
Entonces, la provincia chata es tan extraordinaria como África: continente que por su carácter incivilizado fue durante el siglo XIX y la mitad del XX, el lugar ideal para aventuras de todo tipo. Ese lugar al que, en homenaje, nos lleva el director hacia el final; pero ya una África que no es la selva que esperamos, sino una ciudad mas.
En esta provincia despoblada tan nuestra, pero tan olvidada para nosotros sus habitantes, vive un león moribundo, varios descendientes de inmigrantes, la obra imposible de un arquitecto genial, que existió realmente, comprobando en parte la tesis de HE: el desierto pampeano es un lugar sumamente misterioso, a medida de las aventuras. Es el lugar donde podría vivir el cine argentino por décadas sin agotarse. Es un lugar inexplorado, por sus habitantes, y por sus artistas, que la creen chata. Su carácter inexplorado, ya subrayado por Sarmiento (que aparece veladamente en el filme, en la idea de encausar el rió y en una carta, en el fondo, mencionado), la hacen un lugar apto para todo; en su despoblada extensión florece la impunidad.
Este desierto lo defiende H en sus sueños y Llinas en su filme. Pero a la vez, busca los monolitos de una obra pasada, que alguna vez quiso encausar el Río Salado. Y es que un habitante de las orillas no puede evitar esta ambigüedad: su patria es el desierto que tiene detrás, pero inexorablemente mira hacia la otra orilla. Los héroes de la película son soldados ingleses; el resto de los inmigrantes del filme, argentinos en esa particular megalomanía, son italianos, alemanes, en fin, aquello que Sarmiento no quería tener poblando las tierras. Pero en esta contradicción no se sugiere ningún tipo de plataforma política o postura, sino que simplemente es reflejo del creador de orillas, del argentino cineasta, siempre entre la civilización y la barbarie.

Búsqueda desaforada
En este escenario se suceden los viajes y reclusiones de la película, atando la perfecta creación bajo una temática: la búsqueda. Como aquella de Moby Dick, no se especifica que buscan los personajes claramente (y así siempre es mejor): simplemente buscan algo, algo quizás místico, quizás pasado. Monolitos, monumentos perdidos, coherencia, justicia, sentido, un fantasma, quien sabe. Ni ellos mismos saben, movidos por una fuerza superior. Nunca llegan a entender del todo (y esto se explicita en la narración) por que continúan con sus inútiles misiones: Z buscando a Cuevas, H a los monolitos, Z a los monumentos y a los asesinos y sus razones.
Pero se busca, invariablemente. Se inventa, inclusive, se defiende a la fantasía, a la aventura, a buscar la aventura siempre, como dice la canción del final que cantan los héroes ingleses. Es aquello que nos permite no caer en la rutina, morir en la rutina. Allí, puro sentimiento aventurero, parece vivir el corazón de la película. Su razón de ser es recordarnos el placer de las aventuras.

Se ha gastado muchísima tinta en los hermanos Coen, y mucha de ella ha sido ferozmente crítica, sobre todo de un aspecto en particular: su misantropía. Aunque este aspecto es claro, también lo es claro en otros creadores a los que la critica no le ha caído como cuervos, pues en si no determina un cine, una estética, sino simplemente una visión. No vamos a decir que el critico no debe salir de los aspectos estéticos a la hora de argumentar, pero desde ya constituye un error construir una critica entera a partir de sicologismos e ideologías que no interesan realmente a sus autores.

Bueno. El filme en cuestión constituye su primera obra, y sus rasgos ya asoman con claridad. Se trata de un policial negro, pero no es una nueva visita al genero, sino una reescritura del genero, tanto narrativa como visualmente. Se pueden trazar numerosos paralelismos entre la operación de Llinas en HE y la de los Coen, respecto al genero. También en el interés por una narrativa exacta, matemática, que pretende no profundizar demasiado en el backround psicológico: solo lo suficiente para que sus acciones en el tiempo del filme sean comprendidas, justificadas y a la vez para que ciertos rasgos de su personalidad las provoquen (por ello se da un comienzo in media res en ambas, ya en la acción; comienzo brillante de ambas, en el caso de los Coen, como si su primera imagen registrada para el cine tuviera que ser perfecta). Y bueno, si, pareciera que la motivación sicológica de los personajes fuera la estupidez. No su motivación inmediata, uno tiene celos, otro esta enamorado, otra sola, otro es ambicioso; pero en el fondo, no es mas que el orgullo de todos los hombres que los lleva a realizar acciones una tras otra equivocadas.
La visión misantropica de la humanidad, entonces, no constituye tanto una crítica social como el motor de la trama. Por otro lado, en Blood simple es una visión moderada, que no alcanza los tintes satíricos de sus muchas películas: los personajes son pobres diablos, patéticos pero no caricaturizados. Desconocen siempre la verdad, presuponen mal y actúan por momentos con cierta nobleza. Pero están perdidos, inevitablemente. Son llevados por sus pasiones y su ignorancia puramente humana, sencillamente sangre, a la perdición. Se dibuja cierto cinismo, claro, un cinismo declarado con una sonrisa despectiva; pero en contraposición, los personajes no son los culpables, sino que lo es su naturaleza: están sujetos a un destino trágico, incapaces de comprender la fuerza mayor detrás de todos los acontecimientos. El filme tiene una clara filiación sofoclea, en su estructura y en su revelación final, que denota el abismo insalvable entre el hombre y dios, entre el hombre y la concepción de su destino. El hombre actúa en un absurdo que cree comprender, y su perdición reside, como la de Adán, en esa pretensión de sabiduría. La ironía trágica reside en las brazadas que da contra la marea de la muerte el hombre, no solo inútiles, sino que finalmente, brazadas que en realidad lo encaminan a su final.

A diferencia del fin de semana pasado, hemos tenido muy buen cine esta semana. C. nos trajo la primera de Mottola, aquel que dirigiera Superbad, y el filme se erigió por un lado como una gran película, que siempre es lo principal, y por otro como una película que debería servir de guía sobre como hacer buen cine independiente, esto es, sobre como hacer una buena película, sin tener demasiada plata ni fama para procurarse buena financiación.
Daytrippers tiene cierta cualidad no solo de representativa de su especie indie, sino de precursora de lo que hoy es esa corriente indie bastante comercial: la película, en su tratamiento de lo disfuncional, en la obra dominada por el guión y el dialogo, en los personajes otros. Es que el raro que es raro por ser culto es el personaje por excelencia del indie pos-Nirvana, y generalmente se cae en la exaltación per se de esa rareza, lo cual culmina en un fundamentalismo tan grande como el que le critican al mainstream con su minimalismo. Pero Daytrippers habla sobre la disfuncionalidad sin criticarla o exaltarla, intenta representarla fielmente y sobre todo, divertidamente, y por ende consigue ser grande sin cae en dos de los grandes excesos del indie hoy: logra cierto análisis melancólico sin caer en el ya mencionado tono minimalista y preciosista; y hace refleja la incapacidad de comunicarse de los personajes a través de sus diálogos y no a través de esos silencios incómodos y charlas aburridas del indie.
Ver Daytrippers es como ver la obra de Wes Anderson o Kevin Smith: allí esta todo en potencia, todo lo que después el mismo y muchos otros convertirían en un lenguaje particular y demasiado hermético, sistematizado. Hay un guión excelente, de hierro, que cuenta una historia en un día, sin forzar giros pero sorprendiéndonos a cada paso. Hay un tono comedico pero algo melancólico en la imposible felicidad de la familia burguesa, del matrimonio, hasta del noviazgo, pero sin incurrir en el intimismo vacuo.
La nobleza del trío protagónico hasta en sus errores y el hecho mismo de que no triunfen logran un análisis mucho mas profundo de la situación que la que hace el cine de disfuncionales (personas, familias, sociedades disfuncionales) donde todo es melodramático, minimalista y usualmente donde todo se resuelve a partir de la premisa capitalo-newageista de que lo que importa es la superación personal. Los recursos de todo el cine freak aparecen ya, sus personajes, sus críticas al status quo, pero también hay en Carl cierta parodia a esa crítica, es decir, es crítica sin ser panfletaria de la disfuncionalidad, sin hacer del perdedor un héroe. También, por cierto, hay una banda sonora apestosa, no como la de las películas independientes post Wes Anderson, que trabajan a conciencia con la música.
Sin deslumbrar, se trata de una obra muy entretenida, precursora de toda una gama de cine poco inventiva, celebrada hoy en Canadá y en todo rincón marginal del mundo globalizado. Una obra que anticipa tanto Little Miss Sunshine como Juno, y todo, diez años antes.

Sábado 30/5: The International, He's just not that into you, Synechdoche New York

2009-06-05T10:05:00.001-07:00

Introduccion
Clive Owen es Salinger. Naomi Watts es Whitman. Y la película es un thriller político. Así nos presento B. el filme que había elegido para nosotros aquel primer sábado. Los indicios eran negativos, la presencia de dos de los autores estadounidenses mas importantes para la generación en una película de un genero recontrautilizado en lo que va de siglo, en general con pésimos resultados (que recuerde, solo puedo rescatar El Jardinero Fiel de las ultimas exponentes del genero). Además del gesto algo snob de referenciar lo literario, aparecía en el horizonte la posibilidad de esa crítica políticamente correcta que destilan estas obras en general, que bajo la lupa no solo no resisten el menor análisis sino que mientras se caen a pedazos se revelan hipócritas.

Pero con unos minutos de película los nubarrones ya se habían despejado. Estábamos ante un filme puro genero, puro clasicismo. Pura adrenalina, todo goce.

Persecución eterna
Salinger y Whitman, entonces, son dos agentes de Interpol o algo así, tratando de agarrar a los malos. Primera novedad del filme: los malos son un grupo de banqueros de esta parte del mundo, no son rusos, no son árabes, no son chinos, y son banqueros, que tienen las manos metidas en el trafico de armas y que pretenden generar un par de guerras para después financiarlas. O algo así. La crítica ha hecho énfasis en este aspecto, en el panfleto político de la película, sobre todo porque su fuerte denuncia sobre los funcionamientos sanguinarios del sistema se realiza en una película de industria, de género, de alto presupuesto, y no en esas películas grabadas entre amigos y proyectadas en sótanos.
Pero allí no reside la fuerza extraordinaria de “Agente internacional”. Las explicaciones sobre los motivos y los procedimientos de los codiciosos empresarios son breves, claras, apenas ocupan nuestro tiempo y atención. Tanto, que por momentos los discursos se polarizan y todo se vuelve una batalla clásica entre buenos y malo. Allí reside la intención y el gran acierto del director: por un lado no nos cansa con bajadas de línea, y por otro, sin dejar de realizar su radical e interesante denuncia política contra el mal de estos tiempos, no se olvida de que esto se trata de una película, y da lugar al juego del perseguidor perseguido. Para lo cual era necesario enfrentar dos posturas radicales y no relativizarlas (por otro lado, probablemente el director no haya querido matizar lo que denuncia como un mal sin grises, un sistema responsable de guerras y pobrezas y totalmente mecanizado, aceitado de tal manera que su destrucción parece imposible) . Los malos, sin ser malvados, simplemente defienden los intereses equivocados, y lo hacen sin escrúpulos. Los buenos, parece decir la película, no podrán nunca destruir el mal sin convertirse en seres sin escrúpulos, sin sacrificar valores y sacrificarse ellos en pos de su gran objetivo, la ballena blanca que persiguen hasta los confines de la tierra: la Justicia, un poco de maldita Justicia. La ballena blanca que los obsesiona, imposible de destruir, de cambiar, que los arrastrará hasta su fin.

Magnetismo
Al menos así le sucede a Salinger. Clive Owen hace tiempo esta obsesionado con su presa, no come ni duerme ni se acuesta con señoritas hace tiempo ya cuando comienza la película, que por suerte no se detiene en primeros planos que lo muestren sufriente, sino que lo hace sufrir mas y mas. Y ese Clive, el que jadeante y sangrante sigue adelante, es el que nos gusta, el que aprieta furioso los dientes y dispara. Ese Clive Owen es impagable, destila bronca, atraviesa la pantalla. Un tipo rudo y melancólico, de pocas palabras, chapado a la antigua: un héroe clásico, de las viejas películas de sobretodos y lluvia, aunque ya no imperturbable, sino desesperado en su eterna y futil cacería contra una maquinaria autosubsistente y, como explican los créditos del final, imposible de derribar.
Al gigantesco Clive lo acompaña Naomi Watts, su secuaz mas moderada, convencida en luchar hasta el final de manera noble y legal, de no ser como ellos, de no perder los escrúpulos. Naomi parece encarrilar el torbellino que es Owen, parece calmarlo y controlarlo (sin la ayuda narrativa del golpe bajo de la historia de amor, ausente casi del filme salvo por algunos segundos donde de los roces entre ambos saltan chispas; la tensión entre ambos es subterránea, sutil pero fuerte, y no se explica simplemente por las ganas que se tengan los dos). Sin embargo, los huracanes no pueden controlarse, y el equilibrio que Whitman le da a Salinger se rompe cuando algo se rompe en Salinger, cuando cansado de chocar contra la pared abandona el camino seguro pautado por Naomi, en una escena maestra en la sutileza de lo emotivo y en su brevedad cargada de electricidad.
Owen y Watts son dos actores fotogénicos. Pero su gran fotogenia (que como demuestra la película que vimos a continuación, llena de fotogénicos cuarentones queriendo aparentar menos y actuando muy muy mal, en parte por el botox que Naomi, por suerte, no ostenta) la refuerzan mediante una clase magistral de cómo no sobrecargar de gestos una escena, o mejor dicho, como cargar de electricidad el ambiente sin hacer muecas y caer en la exageración. Esto, en una película que da una clase magistral sobre como no sobrecargar de discursos y subrayados al cine, liberando a la película de estos lastres y dando paso a los tiroteos (impagable escena en el museo), las persecuciones y los giros dan la vuelta al mundo en apenas dos horas.

Bueno, A. suele elegir estos bodrios romanticones bien formulaicos. Pero a veces resultan películas amables, más que amables, a veces uno termina arrodillándose ante el arrollador poder y eficacia de esos filmes escritos para pegar justo en nuestra sensibilidad. A veces uno termina gozoso ante una experiencia cinemática que por más que sea poco arriesgada, quizás hasta menor, no deja de ser maravillosa.

Este no es el caso. A nadie le gusto esta película que a pesar de su pesado cartel repleto de estrellas paso sin pena ni gloria por las salas de cine, y solo debido al peso de su cartel no fue directo a DVD y al olvido. Este mamotreto industrial ofrece un conjunto de historias amables de mujeres mas bien típico (la perdedora empedernida, la abandonada, la que quiere casarse, la que no sabe lo que quiere) que se complican. Los enredos, sin embargo, son más bien faltos de imaginación, y sobre todo de potencia, de esas pequeñas epifanías que descubren a través de la comedia las soledades y las felicidades mas sinceras del hombre. La falta casi total de vitalidad y originalidad, los lugares comunes y algunos golpes bajos, se complementan con una bajada de línea absoluta que se pretende feminista: las mujeres tienen que dejar de estar pendientes de los hombres. Curiosamente, algunas supuestas osadías que se permite la película a partir de este discurso (por ejemplo, cuestionar el matrimonio), son borradas de un plumazo en el final totalmente forzado por la necesidad industrial de esperanzar y hacer feliz al espectador: la engañada se reinventa, y claro, la perdedora, el modelo de todo lo que estaba mal con las mujeres, resulta que en realidad, gracias a su cabeza dura, era un canto a la esperanza que tenían que tener las mujeres, que nunca tenían que dejar de creer en el príncipe azul. Pero claro, en vez de conformarse con ese canto a la felicidad y a la esperanza, que aunque contradictorio era genuinamente feliz, la película no se conforma y va por un ultimo golpe bajo, al hacer que Ben Affleck, el novio perfecto que no quería casarse por principios, ceda ante el capricho de la novia que quería casarse, y de así un cierre absolutamente feliz y banal, totalmente vacío de la critica que había esbozado tímidamente. El “mensaje final” es que todas las mujeres consiguen encontrarse, ser felices sin los hombres, pero, que paradoja, todas terminan felices con sus hombres. ¿A alguien le extraña que este bodrio venga de un libro de autoayuda?

De las caras bonitas que pueblan la pantalla mejor no hablar demasiado: tenemos dos actrices ya cuarentonas haciendo de pibas, una con un botox que la arruina y la hace mas vieja que cierta arruguita, la otra, que supo ser la mujer mas hermosa de Hollywood, anoréxica, horrible, dos ejemplares de lo que retrata sin quererlo la película, cierta desesperada superficialidad disfrazada de feminismo, de independencia. Después esta Scarlett, que es demasiado exceso, demasiado todo (la preferimos tímida del Ander y no puta del cine comercial), ya cansa un poco. Y los chicos, bueno Ben Affleck es perfecto y todo, pero su look desalineado no se lo cree nadie, esta demasiado peinadito.
Lo mejor viene con los desconocidos, sobre todo Justin Long, “el distante” y la Goodwin, “la perdedora”, que terminan dándole a esta fea película algo simpático con su natural gracia y sus enredos arquetípicos pero tiernos y mucho menos exagerados que las profundidades de la Conelly.

Todos coincidimos, creo, en afirmar que mucho peor que una película “formulaica” mediocre es una película que se pretende vanguardista y original pero es en realidad autoindulgente, egocéntrica. Synecdoche New York olvida que hay espectadores y nos aburre haciendo una película con su propia incapacidad de de hacer cine, temática del cuadro adentro del cuadro que se repite en el filme. Es una película de un artista bloqueado por la imposibilidad, digamos, metafísica de trascenderse y hacer algo real, que en su obra intenta a través de un artista hacer algo real a través de un personaje de un artista que pretende hacer algo real… etcétera. La imposibilidad hecha película, una película de una autocompasión que para colmo se sabe autocompasiva y aun así no desiste en su actitud de seguir mostrando la incapacidad de dejar de ser autocompasivos. El mismo tema había sido tratado, con iluminadora comicidad, y por ello de modo mucho más digno, más claro y conciso en Adaptation. Pero aquí el simbolismo inunda un filme que no sabe como decir lo que quiere decir, es ensimismada hasta el autismo y lo que mas irrita es que se sabe ensimismada, y aun así no depone su actitud, se sabe estéril pero no depone su actitud estéril, y nos hace participes de esa búsqueda fútil y confusa que es la vida, esa búsqueda por dejar de estar solo y no poder hacerlo. No abandona esta actitud al punto de que su personaje intenta llegar a lo real imitándolo, construyendo una ciudad entera en el escenario y finalmente un escenario dentro del escenario (hasta el infinito), y esto es lo mismo que hace el propio director, que en un momento de lucidez hace que la contraparte del antihéroe (Hoffman, que no tiene la culpa), su esposa, haya logrado el éxito creando arte minúsculo, mínimo, pero mucho mas representativo que el suyo. Estos aciertos están escondidos tras simbolismos oscuros e imágenes típicamente kauffmanianas, lo que constituye un claro ejemplo del agotamiento del escritor, que se repite hasta la nausea y exacerba sus propios recursos hasta que se tornan insignificantes, encerrado en su propia obsesión hasta la incoherencia. Una vez mas, lo que mas irrita es la autoconciencia posmoderna de Kauffman, que sabe esto y elige representarlo, como lavándose las manos de lo autoindulgencia casi megalómana en la que cae con esta película, como diciendo que esto que hace, sabe que lo esta haciendo pero no queda otra. Cuando en Adaptation el protagonista (Charlie Kauffman, que curioso) afirmaba que no quedaba otra, lo cagaban bien a pedos. Y aunque la salida implicaba cierto pacto con lo industrial, aquel pacto lo hacia en aquella inolvidable película de modo algo irónico pero no del todo, y en esa ambigüedad residía el gran acierto. Básicamente aquello era una comedia sobre lo estéril de la humanidad, y el plano general de la comedia era claro, entretenido; aquí, de esa futilidad se hace tragedia, y el primer plano típico de la tragedia no da la perspectiva necesaria para no ahogarse en la confusión y los lamentos. Ah, aquella era una película humilde, que reconocía a regañadientes la grandeza del cine clásico; esta, una película egoísta. Que se sabe egoísta, y ese saberlo y seguir, repito, es lo que mas irrita de una película que aburre y que es, al final, impotente, a sabidas impotente. Una película que entre símbolos y lamentos pierde su pretendida fuerza trágica y que uno quiere por favor que termine.